Tout naturellement, le voyage commence en Algérie. Sous le soleil qui éclate sur le dédale de la casbah, la ville d’Alger est, comme toujours, très animée. Revient alors en tête la voix magnifique de la fille de Bab-el-Oued, Souad Massi, extraordinaire dans Raoui ou dans Ghir Enta. Autres incontournables chanteurs algériens, les Oranais Cheb Khaled – ici dans Didi et Ya-Rayi – et Rachid Taha – au meilleur de lui-même dans Garab – savent enflammer les foules par leurs accents métissés. Moins connue des Français, la grande dame de Béchar, Hasna El Becharia, sait également captiver l’auditoire avec son envoûtant Hakmet Lakdar. Impossible de quitter le pays sans citer le Kabyle Idir dont nul n’a oublié le très beau chant berbère A Vava Inouva, repris quelques années plus tard avec l’Écossaise Karen Matheson dans une superbe version : A Vava Inouva 2. Idir que l’on retrouve avec un grand plaisir avec Manu Chao dans un vibrant hommage à la femme algérienne : A Tulawin.

La Tunisie toute proche célèbre l’anniversaire de sa Révolution de Jasmin. Au delà des musiques festives qui prévalent aujourd’hui, quelle plus belle illustration musicale de la paix espérée naguère sous l’oppressant régime de Ben Ali que le superbe Astrakan Café composé par un natif d’Halfaouine, Anouar Brahem ?

Cap vers le sud Sahara, et plus exactement vers le Mali, pays de l’habitat troglodyte des Dogons, mais aussi des superbes mosquées de terre, à l’image du joyau de Djenné. S’il est pauvre sur le plan économique, le Mali est en revanche riche de talents musicaux. Il suffit, pour s’en convaincre, d’écouter Salif Keita dans Madan ou le regretté Ali Farka Touré et son complice Toumani Diabaté dans Ai Ga Bani. Un Toumani Diabaté dont on retrouve la kora en duo avec le saxophone de Roswell Rudd dans une sublime rêverie : Bamako.

Plus à l’ouest, le Sénégal, sans doute servi par à la diversité de ses cultures et de ses langues, du wolof au soninké en passant par le mandingue ou le peul, est indiscutablement l’un des grands viviers de la musique africaine. Très nombreux sont en effet les artistes sénégalais qui ravissent les amateurs de musique. Parmi eux, une mention particulière à Orchestra Baobab, « Specialist in all styles » comme se proclament naïvement les talentueux musiciens de cette attachante formation. Et de fait, ils sont au top comme le montrent l’extraordinaire Bul Ma Miin et, sur un magnifique rythme de son cubain, l’Hommage à Tonton Ferrer, le regretté membre du Buena Vista Social Club. Parmi les autres groupes intéressants : Super Cayor de Dakar, ici dans Xamsa Bopp.

La frontière sud franchie, c’est en Gambie que se poursuit le voyage. On retrouve dans ce petit pays anglophone une autre formation afro-cubaine de qualité : Super Eagles, ici dans Manda Ly. Des Super Eagles pas toujours cantonnés aux rythmes cubains comme l’illustre Viva Super Eagles.

Un nouveau saut de puce nous conduit ensuite en Guinée à la rencontre de Mory Kanté. Né dans une famille de griots, futur griot lui-même, Mory Kanté a choisi la musique, pour notre plus grand plaisir, que ce soit à l’écoute du séduisant Djou ou du survitaminé Yé ké Yé ké.

Direction la Côte d’Ivoire où la situation politique et sociale se normalise peu à peu. Sur le plan musical, la tradition africaine est omniprésente dans ce pays. Mais c’est au reggae que doivent leur notoriété Alpha Blondy et Tiken Jah Fakoly. Un genre où tous les deux sont bien loin d’atteindre le niveau d’excellence des meilleurs Jamaïcains. Reconnaissons-le, il y a peu de titres intéressants dans leur production, excepté Jerusalem pour le premier et Toungourouba pour le second. Mais tous les deux sont particulièrement sympathiques.

Prochaine étape, le Nigéria, berceau de l’un des plus grands noms de l’afro-beat : Fela Anikulapo Kuti. Bien que né à Londres, l’un de ses fils, Femi Kuti, a poursuivi l’œuvre musicale de son père, mais en se démarquant sensiblement de l’écriture paternelle. Dem Bobo est un bon exemple de son répertoire.

Après l’anglophone Nigéria, retour à la francophonie au Congo. Avec le groupe Kékélé, c’est un genre particulier que l’on aborde : la rumba congolaise. Parmi leurs titres aux accents très latinos figurent quelques superbes chansons telles Ponton la belle ou Yo Odeconer.

Nouveau cap au sud, par-dessus le bush namibien et ses attachants petits hommes de la savane, pour aborder l’Afrique du Sud, pays naguère emblématique d’une hideuse ségrégation. Une apartheid au cœur du très beau film A World Apart, parfaitement servi par la B.O. de Hans Zimmer. Une B.O. à écouter sans modération, notamment pour les chœurs zoulous à compter de 3’25. Des chœurs également présents dans l’étonnant Double Dutch signé par Malcolm McLaren, le fantasque ex-imprésario des… Sex Pistols. Peut-être devrait-on évoquer encore le « Zoulou blanc » Johnny Clegg ?… Oui ?… Non ?… Réflexion faite, ce sera non. Enfin, bien qu’elle soit devenue guinéenne puis algérienne, on ne saurait quitter le pays sans rendre hommage à Miriam Makeba, la magnifique interprète de Pata Pata et de Malaïka.

Et voici le Zimbabwe, ses mines, ses parcs et son passé rhodésien. Si la culture coloniale britannique y a laissé des traces, c’est principalement en shona ou en sindebele que s’expriment les chanteurs locaux, tel Oliver « Tuku » Mtukudzi dans le très beau Ndakuvara.

Un peu plus à l’est, le lusophone Mozambique s’est lentement remis de la très longue guerre civile qui, en une quinzaine d’années, a fait près d’un million de morts. Si le groupe Mabulu a résolument opté pour le métissage, nettement moins sensible dans Shitaratwini que dans d’autres titres aux accents hip-hop, la marrabenta reste la forme musicale reine dans ce pays meurtri. Et le champion du genre en est incontestablement l’Orchestra Marrabenta Star dont on écoute ici le magnifique Elisa Gomara Saia. Mais il existe d’autres artistes de qualité, à l’image de Francisco Mahecuane, ici dans la superbe Rosa.

Du Mozambique à Madagascar, il n’y qu’une traversée à faire. Elle vaut la peine, non seulement pour découvrir cette île mais aussi pour se plonger dans la culture du Malgache Rajery, le « Prince de la valiha ». Une culture parfaitement servie dans Vavaka et Misahotaka Ni Akama.

Cap sur le nord vers un archipel tanzanien dont le nom mythique évoque les aventures au long cours des navigateurs d’autrefois : Zanzibar. Tout aussi mythique, le célèbre Culture Musical Club et son formidable répertoire de taarab, une musique dont on perçoit la forte influence égyptienne. On retrouve le Culture Club ici en répétition de taarab et là dans le superbe Mpunga Unaumwaga.

Avant dernière étape du périple : le Kenya, sa majorité bantoue, et ses guerriers masaï depuis longtemps convertis au commerce touristique. De la musique également au Kenya, souvent chantée en swahili. Parmi les principaux talents figurent Zuhura Swaleh (Shani) et Yaseen Mohamed and Party (Kula Ajae na Shari), des artistes bien loin d’être isolés.

Commencé aux portes du Sahara, le voyage s’achève sur le Nil, dans ce musée à ciel ouvert qu’est l’Égypte. Impossible de parler musique ici sans évoquer la grande dame que fut Oum Kalsoum, et c’est avec un immense plaisir qu’on l’écoute dans Taleal Bedru Aleyna. De nombreux artistes ont évidemment pris le relais depuis la disparition de cette icône de la culture égyptienne. Parmi eux, le séduisant Amr Diab – il nous donne un aperçu de son talent dans Tamally Maak – et, pour finir cette balade musicale africaine, Natacha Atlas, la plus belge des Égyptiennes, dans Leysh Nat’ Arak.

Des musiciens talentueux et des titres de qualité, il en est évidemment beaucoup d’autres en Afrique, et cet article n’a nullement la prétention d’avoir présenté la meilleure sélection possible. Sans doute des lecteurs sauront-ils contribuer à ce florilège en y ajoutant dans les commentaires leurs propres suggestions. Je les en remercie d’avance et souhaite à tous une bonne écoute.

Dans ce billet, écrit de manière spontanée après avoir entendu la calamiteuse Charlotte Gainsbourg dans un extrait de son dernier album (CD sans doute pour Chansons Désastreuses), je voudrais ici rendre hommage à… Véronique Autret, au nom de toutes celles, (et de tous ceux car cela vaut également pour les hommes) qui ne connaîtront jamais le succès que mérite pourtant leur très grand talent.

Véronique Autret, vous ne la connaissez probablement pas, malgré ses très grandes qualités. Normal : elle compose de la musique et interprète en breton de la musique sacrée et profane dans des formations dont la notoriété a déjà bien du mal à s’étendre sur le territoire armoricain : Gwalarn et Bann-Heol. Or, tous ceux qui ont pu l’entendre, et plus encore la voir en concert accompagnée de ses fidèles musiciens, sont d’accord pour souligner à quel point cette femme a pu les impressionner.

Ras-le-bol des Carla Bruni, des Charlotte Gainsbourg, des Mélanie Laurent. Ras-le-bol de ces chanteuses sans talent ni voix qui, avec la complicité des éditeurs de musique, s’appuient sur leur seul nom pour nous imposer des bluettes affligeantes. Ras-le-bol de ces femmes qui tirent à elles une couverture médiatique totalement imméritée en regard du travail fourni par d’autres, infiniment plus talentueuses, mais qui n’ont pas acquis préalablement de notoriété dans les défilés de mode ou sur les plateaux de cinéma.

Car il ne fait aucun doute que des Véronique Autret, il en existe des dizaines en France qui ne verront jamais leur nom en tête de gondole dans les rayons musique d’un magasin de la Fnac ou d’un Centre Culturel Leclerc (si, si, ça existe !). Elle a pourtant une bien belle voix, Véronique Autret, une voix pleine et chaleureuse, une voix très pure comme on rêverait d’en entendre plus souvent sur les ondes en lieu et place de la daube formatée qui nous est le plus souvent servie.

Écoutons Véronique Autret avec Bann-Heol dans « Ar bobl o Tont da gemer Jezuz » ou avec Gwalarn dans « Karantez-Vro ». Mais quel dommage qu’il n’existe pas de lien sur le magnifique « Intañvez ar Moraer » qui nous conte l’émouvante histoire d’une veuve de pêcheur ! La voix de Véronique Autret, servie par une superbe mélodie, y est magnifique.

Contrairement à Carla Bruni en 2004 et Charlotte Gainsbourg en 2010, Véronique Autret ne décrochera jamais une Victoire de la Musique, pas plus que toutes celles qui débordent de talent mais, faute de « relations utiles » ou de notoriété antérieure largement médiatisée, n’auront jamais leurs entrées dans les cercles fermés des « majors » de la production musicale. Cela dit, il est probable que Véronique Autret n’éprouve aucun regret de n’avoir pas fait une carrière nationale dans la variété, tant sa passion pour la musique celtique semble forte. Mais d’autres qu’elles, tout aussi douées, souffrent sans aucun doute et souffriront encore d’être barrées par des pipoles qui ne leur arrivent pas à la cheville, avec leurs voix subclaquantes et la mièvrerie de leurs textes. Mais ainsi va la culture dans une société où le marketing s’impose dans tous les domaines !

Pour terminer sur une image positive, petit retour, en hommage à Cesaria Evora, sur quelques-unes des très belles voix féminines que nous offre la culture portugaise :

Celle de Teresa Salgueiro au sein du groupe Madredeus, formidable dans « O pastor ».

Celle d’Ana Rita Reinos, chanteuse du groupe Maio Moço, dans « Triste Noivo ».

Celles des fadistas héritières de la grande Amália Rodrigues : Ana Maria Bobone dans le superbe « Dá-me o Braço Anda Dai », Cristina Branco dans « Meu Amor é Marinheiro », Katia Guerreiro dans « A Mariquinhas vai a Fonte » et bien sûr Mariza dans « Feira de Castro ».

Sans oublier l’autre grande voix cap-verdienne Maria de Barros, ici dans « Mi Nada Um Ca Tem ».

Et tant d’autres superbes artistes… Adeus, queridos leitores !

 (Cliquer sur les liens des œuvres pour en entendre un extrait)

Il est toujours présomptueux de faire un choix dans le répertoire d’un instrument « majeur » comme le violon tant est grand le nombre des œuvres qui lui sont dédiées, en l’occurrence des milliers de concertos dont beaucoup dorment encore dans l’atmosphère feutrée des bibliothèques. Un choix d’autant plus difficile que les goûts différent considérablement d’une personne à l’autre ; d’autant plus difficile que les critères de qualité d’une œuvre sont par nature très subjectifs et varient selon la culture de chacun. Mais l’exercice, en dépit de ses limites et avec toute l’humilité qu’il requiert, n’en est que plus intéressant.

L’âge d’or du violon, en volume de production (que l’on me pardonne cette formulation mercantile !) a incontestablement été la période allant du baroque au préclassique (1680-1770). En quelques décennies, des centaines de compositeurs, principalement italiens, allemands et bohémiens, ont écrit pour cet instrument en alimentant, dès l’aube du 18^e siècle, le répertoire naissant du concerto de soliste tandis que le concerto grosso était progressivement abandonné car moins spectaculaire. Une évolution incontestablement liée aux progrès dans le jeu des interprètes et surtout au nombre important de musiciens-compositeurs désireux de mettre publiquement en valeur à la fois leur maîtrise de l’instrument et leurs qualités d’écriture, ici pour négocier la publication de leurs œuvres, là pour tenter d’obtenir un poste de Konzertmeister (premier violon), voire de Kapellmeister (Maître de chapelle) dans une cour en vue, avec à la clé une rente annuelle et l’assurance de pouvoir vivre de son art.

Violonistes, les Italiens Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, Antonio Vivaldi et Giuseppe Tartini l’étaient, de même que le Français Jean-Marie Leclair et les frères bohémiens František Benda et Ji?í Antonín Benda ou leurs compatriotes Carl Stamitz et Josef Myslive?ek, ce dernier connu pour sa grande virtuosité. Tous ceux-là, et de nombreux autres moins renommés, ont écrit pour leur instrument, souvent avec une très grande créativité comme en témoignent les différents recueils de concertos du Prete rosso (le prêtre roux) dont Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, universellement connu pour 4 de ses 12 concertos : Les quatre saisons. Des concertos abusivement programmés sur la planète entière mais dont on prend toujours un immense plaisir à entendre les accents si brillamment descriptifs (printemps, été, automne, hiver).

Bien que principalement claveciniste et organiste, le grand Jean Sébastien Bach jouait également avec talent du violon, un instrument qu’il a su mettre en valeur dans de très nombreuses partitions, tant religieuses que profanes. Mais c’est évidemment dans ses concertos pour violon seul (la mineur, mi majeur*) et son concerto pour deux violons (ré mineur) qu’il a donné la pleine mesure de sa créativité, à tel point que ces œuvres, bien qu’encore empreintes de l’écriture du concerto grosso, sont toujours régulièrement interprétées en concert, pour le grand bonheur des amateurs de musique baroque.

Beethoven mal récompensé

Une chose est sûre : l’immense notoriété du grand Joseph Haydn ne repose pas sur ses quatre concertos pour violon, la faute en revenant peut-être au cousinage de ces œuvres, de facture très classique, avec les deux géniaux concertos pour violoncelle du compositeur allemand. Peu joués et peu enregistrés, les concertos pour violon écrits par le Kapellmeister Haydn pour le Konzertmeister Luigi Tomasini à la cour du prince Esterkázy, sont pourtant très séduisants. Il suffit, pour s’en convaincre, d’entendre le concerto pour violon en sol majeur.

Malgré l’indéniable qualité de ses concertos et symphonies concertantes, passons sur le cas du « Mozart noir », cet éclectique et ô combien étonnant Chevalier de Saint-Georges, à la fois violoniste, compositeur, cavalier, escrimeur et officier de la Garde Nationale, pour en venir au véritable Wolfgang Amadeus Mozart. Génial dans la plupart des domaines de composition qu’il a abordés, Mozart l’a également été dans l’écriture de ses 5 concertos pour violon, tous composés en 1775, probablement pour être interprétés par lui-même. Le 3^e concerto et plus encore le 5^e concerto sont incontestablement de purs chefs d’œuvre. Impossible de ne pas citer également la magnifique symphonie concertante pour violon et alto, antérieure aux concertos, et la… sérénade Haffner au sein de laquelle se cache, procédé très étonnant, un concerto pour violon (2^e, 3^e et 4^e mouvements) qui ne dit pas son nom mais en possède les caractéristiques.

Tout le monde connait la prédilection de Ludwig van Beethoven pour le piano, instrument pour lequel il a écrit quelques-unes de ses plus belles partitions, à l’image du prodigieux concerto « l’Empereur ». Mais Beethoven tenait également à écrire un concerto pour violon. Après avoir composé 2 belles romances pour violon et orchestre en 1803 et 1805, il reprend en 1806 l’idée de ce concerto qu’il écrit en quelques jours seulement après en avoir mûri le contenu. Curieusement, cet incontournable chef d’œuvre n’est pas accueilli comme tel lors de sa création, un statut qu’il devra, quelques décennies plus tard, au grand violoniste Joseph Joachim. Depuis, le concerto pour violon de Beethoven figure, et c’est justice, parmi les œuvres préférées, tant des grands interprètes que des amateurs de musique classique. 

Compositeur, violoniste, chef d’orchestre et pédagogue, Louis (Ludwig) Spohr a été tout cela à la fois. On peut même ajouter inventeur car c’est lui, dit-on, qui a facilité la vie de générations de violonistes en créant la mentonnière, cet accessoire qui permet de caler l’instrument sur le menton. Créateur de talent, Spohr a gagné sa place parmi les grands serviteurs de son instrument de prédilection en composant en 1816 son 8^e concerto pour violon in modo di cantate di scena. Peu connue du grand public, cette œuvre, écrite dans la filiation du style scénique de Mozart, possède de très grandes qualités qui lui ont, en revanche, assuré l’estime indéfectible des interprètes.

Pas de concerto pour violon chez Franz Schubert, mais on ne peut passer sous silence ses trois œuvres concertantes, modestes par la taille, mais grandes par le talent et le pouvoir de séduction : le Konzertstück, le Rondo et la Polonaise, souvent réunis sur les mêmes enregistrements, que ce soit sur vinyle ou sur CD.

Des deux concertos pour violon écrits par Félix Mendelssohn, c’est évidemment le second qui retient l’attention, sans que le premier, fort bien écrit, soit négligeable pour autant. Mais le célèbre opus 64 est une pure merveille dont le caractère exceptionnel n’a jamais été contesté par quiconque. Créé en 1844 par le violoniste et dédicataire de l’œuvre Ferdinand David, le concerto pour violon en mi mineur, dont Joachim fait l’un de ses favoris, présente deux particularités : d’une part, ses trois mouvements s’enchaînent de manière très naturelle ; d’autre part, ce n’est pas l’orchestre qui prend en charge l’introduction**, celle-ci étant confiée par Mendelssohn, dès la 2^e mesure, au violon soliste ; débute alors une extraordinaire cantilène qui, à elle seule, justifie la renommée de ce concerto.

Niccolò Paganini fait partie de ces violonistes compositeurs qui ont écrit pour eux-mêmes, et on le comprend d’autant mieux que l’Italien reste l’un des plus grands virtuoses qu’ait connu la musique classique, avec un jeu qualifié par certains de « diabolique », par d’autres de « céleste », Schubert présentant même Paganini comme un « ange ». L’écriture de ses concertos, critiquée par certains esthètes particulièrement exigeants, n’en respecte pas moins les canons traditionnels du genre, même s’il est vrai qu’en quelques occasions l’orchestre est réduit à un rôle de faire-valoir. Mais les nombreuses interventions techniques et les spectaculaires ornementations du violon soliste n’altèrent en rien le très grand talent mélodique du compositeur. Le concerto pour violon n°2 « La Campanella » en est un parfait exemple.

Un concerto « contre » le violon !

Souvent invité parmi les grands dans les florilèges de ce genre, le compositeur allemand Max Bruch, ne peut pourtant prétendre rivaliser avec Beethoven, Mendelssohn ou Brahms en matière de musique concertante pour le violon. Plus encore que sa Fantaisie écossaise, son 1^er concerto pour violon, largement remanié par le violoniste virtuose Joseph Joachim, est pourtant une œuvre pleine de charme et de qualités stylistiques, au point d’être encore régulièrement jouée de nos jours. Au delà de ses qualités propres, ce concerto est paré d’un autre mérite, et non des moindres : avoir inspiré à Johannes Brahms son propre concerto, l’une des partitions les plus brillantes jamais écrites pour le violon.

Sans l’amitié et les conseils de Joachim (encore lui), le Hongrois Johannes Brahms n’aurait peut-être jamais écrit son concerto, et le monde de la musique eût été amputé sans le savoir de l’une des œuvres majeures de son histoire. Écrit en 1878 dans la tonalité de ré majeur en hommage au concerto de Beethoven, le concerto pour violon de Brahms est tout à la fois un sommet du lyrisme romantique et une œuvre d’une extrême difficulté, à tel point qu’il fut qualifié par le chef d’orchestre Hans von Bülow de « concerto contre le violon » ! Cela ne l’empêcha pas de prendre rapidement sa place dans le « top ten », comme on dirait aujourd’hui, des concertos les plus joués. Normal : qui n’a jamais été subjugué par son final, un hommage appuyé de toute beauté à la musique tzigane ?

Contemporain du concerto de Brahms – il a également été créé en 1878 -, le concerto pour violon de Piotr Ilitch Tchaïkovski est également caractérisé par de longs chants lyriques et une très grande virtuosité qui lui valut d’être refusé dans un premier temps par le violoniste Leopold Auer. Créé en 1881 par Adolf Brodsky, ce concerto, après avoir connu des débuts difficiles, est devenu aujourd’hui l’un des plus populaires dans le monde de la musique. Nul doute que son omniprésence particulièrement émouvante dans le film Le Concert  de Radu Mihaileanu a contribué, et contribuera encore, à le faire connaître d’un nombre croissant d’amateurs. Ce concerto le mérite amplement tant sont superbes ses trois mouvements (allegro moderato, canzonetta : andante, finale : allegro vivacissimo).

Contemporain des deux précédents – une période décidément très riche ! –, le concerto pour violon d’Antonín Dvo?ák, créé en 1879, est lui aussi dédié au violoniste Joachim. Curieusement, cette œuvre majeure, digne des plus grands concertos du 19^e siècle n’est pas aussi souvent interprétée que les concertos de Beethoven, Brahms ou Tchaïkovski. Un ostracisme étonnant tant cette œuvre, ô combien romantique malgré sa virtuosité, parle à l’âme et séduit aussi bien les mélomanes que les béotiens. Peut-être faut-il voir dans cette relative désaffection la concurrence du très réputé concerto pour violoncelle du même compositeur ? Une injustice, comme le démontre l’écoute de ce sommet de l’art du violon (allegro ma non troppo ; adagio ma non troppo ; finale : allegro ma non troppo).

Seul Français à figurer dans ce panthéon de la musique concertante pour le violon, le compositeur Édouard Lalo doit sa notoriété à sa rencontre, en 1873, avec le violoniste virtuose Pablo de Sarasate qui le convainc d’écrire pour lui. Quelques mois après cette rencontre, le musicien espagnol crée sur la scène du Châtelet un concerto pour violon qui rencontre un très grand succès. Ce n’est toutefois pas à cette œuvre que Lalo doit sa renommée, mais à une sorte de symphonie concertante écrite dans les mois qui suivent : la Symphonie espagnole. Créée par Sarasate en 1875, cette composition hybride en 5 mouvements est, de l’allegro initial jusqu’au rondo final, un pur chef d’œuvre auquel l’intermezzo central, une superbe habanera, a donné son caractère espagnol. La Symphonie espagnole est l’une des partitions françaises les plus jouées dans le monde avec l’opéra Carmen de Georges Bizet.

Pablo de Sarasate ne s’est pas contenté d’inciter Lalo et quelques autres compositeurs à écrire pour lui. Habile compositeur lui-même, il a également écrit pour son propre compte dans l’air du temps, avec la volonté manifeste de mettre en valeur sa prodigieuse virtuosité. Pas de concerto pour violon dans son œuvre, mais deux partitions célèbres : la Fantaisie sur des thèmes de Carmen, et le très spectaculaire Zigeunerweisen (Airs bohémiens), l’une des œuvres pour le violon les plus appréciées, tant des connaisseurs que des profanes.

D’autres concertos pour violon, remarquables à des titres divers, ont été composés au cours des 19^e et 20^e siècles, que ce soit par Viotti, Bériot, Vieuxtemps, Britten, Sibelius, Prokofiev, Glazounov ou Berg. Mais, pour employer une métaphore sportive, malgré leurs indéniables qualités, ces concertos jouent en… 2^e division. Encore qu’il s’agisse là d’un avis strictement personnel. Et comme il se doit en matière d’art et de goût, nul n’est obligé de le croire…

* Ici interprété dans une réduction pour violon et piano par Nazrin Rashidova, âgée de 8 ans !

** Mendelssohn avait été devancé par au moins deux compositeurs : Mozart dans son superbe concerto pour piano n°9 « Jeunehomme », et Beethoven dans son non moins admirable concerto pour piano n°4.

Précédents articles sur la musique classique :

Sorciers, elfes, lutins, trolls et fées dans la musique classique

Musique : de Sones de Mariachis à Huapango

La musique classique dans la publicité

L’injuste destin de Fanny Mendelssohn

« Les Adieux » ou la musique au service des revendications

Élisabeth Jacquet de la Guerre, première femme compositeur

Musique : Herschel, la tête dans les étoiles

Padre Davide, rock-star du 19^e siècle

Du tuba au bouzouki : des concertos… déconcertants

Les Folies d’Espagne : un thème intemporel

La symphonie concertante : de Stamitz à… Sarkozy

Le siècle d’or de la musique tchèque

Musique : le crescendo rossinien

Le Nègre des Lumières

Par Zone-7, Libertés Internet et News Of Tomorrow

Outre sa musique, Lennon est également célèbre pour ses nombreuses prises de positions, notamment pacifistes, à partir de la fin des années 1960. Ses activités et son engagement, notamment contre la guerre du Viêt Nam, lui valent des ennuis réguliers avec le gouvernement des États-Unis, qui tente de l’expulser. Personnalité complexe, il fait preuve d’un humour acerbe, teinté d’absurde et de non-sens, et se démarque également par son caractère parfois violent et conflictuel, en contradiction avec son image de représentant de l’idéal pacifiste. Wiki, John Lennon

Yoko Ono fait par la suite une déclaration « Il n’y aura pas de cérémonie pour John. John aimait et a prié pour l’humanité. S’il vous plait, faîtes de même pour lui. Merci, Yoko et Sean»

« La vie commence à 40 ans »

John Lennon

***

The Moldy Moldy Man

I’m a moldy moldy man
I’m moldy thru and thru
I’m a moldy moldy man
You would not think it true
I’m moldy til my eyeballs
I’m moldy til my toe
I will not dance I shyballs
I’m such a humble Joe.

John Lennon, On his own write (1964)

***

Aujourd’hui, 8 décembre, on soulignera la mort de John Lennon. Trente ans… Assassiné à la sortie de son appartement à New-York.

Sa carrière solo aura duré 10 ans. On en retiendra l’activiste et on le hissera au rang des grands de ce monde…

Il y plusieurs années, j’essayais d’intéresser les élèves à l’apprentissage de l’anglais par les chansons des Beatles.

Ces jeunes, nés fin des années 1980, connaissaient peu les Fab Four, mais John… oui.

Étonnant. Puisque du point de vue musical, après la rupture des Beatles, John Lennon ne produisit en dix ans que quelques œuvres dont l’intérêt était  davantage soutenu  par son statut d’ex-Beatles, sauf  le célèbre IMAGINE. Pour le reste, il ne parvint jamais à être le génie qu’il fut au sein des Beatles. Génie, dû, selon George Martin à une synergie des membres ainsi  à une lutte qualifiée « d’amicale »  entre McCartney et lui.

Il fut transformé en  icône, apôtre de la paix, et martyr. La mort, surtout la violente, transcende l’idole et la momifie.

La « philosophie » Lennon avait dépassé le génie au sein des Beatles. Cet apôtre de la paix, classé activiste « dangereux » par les autorités américaines qui tentèrent de le chasser du pays, n’avait pourtant fait que répéter dans des improvisations peu fignolées des chants de feux de camp pour la paix. La guerre du Vietnam commençait déjà à  agacer les américains. Qu’avait-il de plus que les activistes du pays? La gloire qui le précédait…

« It’s not easy to be an artist »

John Lennon

Lennon était une brûlure intérieure. Un artiste… Pourtant, pendant la décennie 70, il eut peine à se remettre de la rupture des Fab Four. C’est pourtant lui qui l’avait voulu.

« It’s only a rock-and-roll band! », avait-il argumenté. Il avait sans doute raison.

Il y avait un Lennon qui n’était pas encore né, pas encore mature, qui devait se mettre au monde. La gloire précoce et pratiquement non attendue avait retardé  une période de développement de sa  personnalité.

Pendant que George Harrison – enfin débarrassé du tyran Lennon et de l’accroc McCartney – entreprenait une longue quête lente mais prudente et sublime, Lennon, en pleine crise, se mit à courir les bars après sa période Bed-In. Yoko Ono le laissa « enfiler » ses amantes, ses cuvées, sachant qu’elle avait une certaine mainmise sur l’homme.

Artiste d’avant-garde, il épousa la cause des femmes « nigers of the world » à son retour vers une vie normale. La cause féminine de l’époque n’était pas vraiment une nouveauté en soi. C’était même un quasi cliché que de s’y intéresser.

L’activiste avorté

Sans doute Lennon n’avait pas tout dit. L’écorché ne s’était pas encore rendu à terme. 40 ans.

La question reste toujours présente : qu’aurait pu apporter de plus  cet activiste? Selon Yoko Ono, Lennon aurait sans doute eu  son blogue – et qui sait s’il n’aurait pas affiné sa révolte. Il cumulait dix ans de retard dans un cheminement de vie dit « normal ».

N’ayant pas eu le temps, ni le désir, ni la maturité pour élever son premier enfant ( Julian), il découvrit les joies de la paternité à l’approche de la quarantaine.

Pourquoi ce souvenir d’un John Lennon comme d’un messie?

Un Lennon vivant avait-il un « grand » avenir? On ne le saura jamais. C’est le mystère des légendes parties avant le temps…

Entretien 1971

Dans cette interview « perdue » de 1971, voilà un Lennon qui commence à parler de classe ouvrière, de bourgeoisie, de guerre, de conscience politique…

C’était le discours habituel de l’époque, aujourd’hui dépassé, sans trop de raffinement et de finesse, sinon qu’un rappel amer de sa jeunesse…

Tariq Ali : Ton dernier enregistrement, ainsi que tes déclarations publiques récentes — surtout les interviews que tu as données pour le magazine Rolling Stone — laissent penser que tes opinions politiques se radicalisent de plus en plus. Quand cela a-t-il commencé ?

John Lennon : Tu sais, je me suis toujours soucié de politique et j’ai toujours été contre le statu quo. C’est assez élémentaire lorsque tu as été élevé, comme moi, à haïr et à avoir peur de la police comme un ennemi naturel et de mépriser l’armée comme une chose qui emporte chaque personne et la laisse morte quelque part.

Ce que je veux dire, c’est qu’il s’agit d’une chose naturelle dans la classe ouvrière, même si cela s’estompe lorsque tu vieillis, que tu fondes une famille et que tu es avalé par le système.

Dans mon cas, bien que la religion ait eu tendance à lui faire de l’ombre, à l’époque où je prenais du LSD — ce devait être dans les années 65-66 —, je n’ai jamais manqué de conscience politique. Et cette religion était directement le résultat de toute cette merde qui entoure les superstars — la religion était un exutoire pour mes refoulements. Je pensais : « Il y a forcément quelque chose d’autre que la vie, non ? Ce n’est certainement pas tout !

Mais, dans un sens, j’ai toujours été politisé. Dans les deux livres que j’ai écrits (même s’ils ont été écrits dans un charabia à la Joyce), je cogne pas mal sur la religion. Il y a aussi une scène entre un ouvrier et un capitaliste. Je fais la satire du système depuis mon enfance. J’avais l’habitude de rédiger des papiers à l’école et de les passer autour de moi.

J’étais très conscient de ma classe — certains diraient que j’étais amer — parce que je savais ce qui m’était arrivé et j’étais au courant de la répression de classe qui nous tombait dessus — c’était une putain de réalité, mais, avec l’ouragan que représentait le monde des Beatles, j’ai été épargné. Je me suis vraiment éloigné de la réalité pendant un bout de temps.

Tariq Ali : Selon toi, quelle fut la raison du succès de votre style musical ?

John Lennon : Et bien, à cette époque, on avait l’impression que les travailleurs avaient réussi à percer, mais rétrospectivement, je réalise que c’est le même contrat de dupe que celui qu’ils ont passé avec les Noirs : c’était juste comme s’ils avaient autorisé les Noirs à courir, à boxer ou à faire du spectacle. C’est le choix qu’ils vous permettent — à présent, le débouché est de devenir une pop-star et c’est ce que je dis dans mon album ‘Working Class Hero’. Ainsi que je l’ai déclaré à Rolling Stone, ce sont les mêmes qui sont au pouvoir et le système de classe n’a pas changé d’un iota.

Bien sûr, on voit plein de gens marcher dans la rue avec des cheveux longs et des gosses branchés de la classe moyenne dans de jolis vêtements. Mais rien n’a changé, à l’exception du fait que nous nous habillons tous un peu mieux, laissant les mêmes salopards tout diriger.

Robin Blackburn : Évidemment, la condition de classe est quelque chose à laquelle les groupes de rock américains ne se sont pas encore attaqués.

John Lennon : Parce que ce sont tous des bourgeois ou des membres de la classe moyenne et qu’ils ne veulent pas le montrer. Ils ont vraiment peur des ouvriers, parce qu’en Amérique, ces derniers se cramponnent à leurs biens et semblent vraiment très à droite. Mais si ces groupes de la classe moyenne réalisaient ce qui se passe (et ce que le système de classes a produit), il ne tiendrait qu’à eux de faire rapatrier les soldats et de sortir de toute cette merde bourgeoise.

Tariq Ali : Quand as-tu commencé à sortir du rôle que t’imposait le fait d’être l’un des Beatles ?

John Lennon : Même pendant l’âge d’or des Beatles, j’ai essayé, tout comme George, de m’y opposer. Nous sommes allés en Amérique plusieurs fois et Epstein essayait toujours de nous baratiner pour que nous ne parlions pas du Vietnam. Alors, arriva un moment où George et moi avons dit : ‘Ecoute, la prochaine fois qu’ils nous le demanderont, nous dirons que nous n’aimons pas cette guerre et que nous pensons qu’ils doivent se retirer’. Et c’est ce que nous avons fait. À ce moment-là, c’était une chose plutôt radicale à faire, surtout pour les ‘Fab Four’. Ce fut pour moi la première occasion de faire quelques déclarations patriotiques.

Mais tu dois garder en mémoire que je m’étais toujours senti refoulé. Nous avions tous une telle pression sur nous qu’il n’y avait pratiquement aucune chance pour que nous puissions nous exprimer. Surtout que nous travaillions à une telle cadence! Continuellement en tournée et toujours protégés dans un cocon fait de mythes et rêves. C’est assez difficile lorsque tu es César et que tout le monde te dit que tu es merveilleux et qu’on te fait des tas de cadeaux et que tu peux avoir toutes les filles. Il est très difficile de s’en détacher, de dire : ‘Bon, je ne veux pas être le roi, je veux être réel’. Donc, d’une certaine façon, la deuxième chose politique que j’ai faite fut de dire ‘Les Beatles sont plus grands que Jésus’. Cela a vraiment fait scandale ; en Amérique, j’aurais pu me faire descendre pour ça. Ce fut un grand traumatisme pour tous les gosses qui nous suivaient. Jusqu’à cette époque, il y avait ce contrat tacite consistant à ne pas répondre aux questions embarrassantes. Pourtant, je lisais toujours les journaux. Tu sais, les articles politiques… L’interview perdue

L’embryon

Auteur compositeur de génie, alimenté aux substances hallucinogènes,  le Lennon activiste n’avait d’autre talent, en termes d’activiste,  que celui de sa gloire. C’est de ce potentiel qu’il vit encore aujourd’hui… Bien nourri  par les fanatiques qui sont assoiffés de gourous. Ce dont se méfiait Lennon lui-même…

Come together

Pour Yoko Ono qui critiquait la version quelque peu équivoque de « Come Together » dans Love du Cirque du soleil, on comprend qu’elle défendait alors le combat social précisant que  John n’avait jamais voulu parler sexualité, mais d’une solidarité sociale.

Lennon intellectuel…

Voilà une femme – une éternelle  fan – qui souffre du même problème de distorsion que les « chercheurs de dieux », coureurs de  gourous.

Le John Lennon Songwriting  Contest

Pour ceux qui l’ignorent, à chaque année il y a un concours pour découvrir des talents nouveaux. Depuis des années que j’écoute les gagnants de toutes les catégories. Pourtant, pas de génies dans les cuvées. Et il faut payer pour s’y inscrire.

Une autre façon de perpétrer le mythe Lennon?

Ce qu’il y a d’agaçant dans le mythe Lennon, c’est d’en faire un personnage « historique important » dans la classe activiste- penseur, voire philosophe.

On his own write

Recueil écrit à 24 ans. Poésie éclatée, dessins, etc. Un Lennon embryon…

On a tenté de traduire en français son œuvre.

L’ivre poule

Une fois de plus l’extradition ancienne des bains Nudo Romains s’en retourne doucement mais doucement danser à Libre Poule. Vous en revient-il de ces vieilles tartes soufflées au large du Bol d’Air Street ? Quant à la mer, le bord d’elle est très en vague auprès des forts du hâle et la galioche pour Nouilles bretonnes est prête à appareiller si l’envie vous vient de prendre le voile. Nous ne sommes pas autrement fiers de notre monstrument à Sa Majuscule Victorieuse, mais il fait beau dans la Galerie d’Art Moqueur quand la pluie et l’édifesse Sein-Georges est noir (et blanc du fait des petites palourdes qui volent de la Colonne Malsaine). Pique Hall est très hystérique avec ses vieux trucs antiques en toc et je peux vous assurer que le roi Elisabeth n’y a jamais dormi. Airport Epique est extensible aux avions si vous y tenez vraiment […]

Twist and shoot!

À la fin des années quatre-vingt-dix, aucun des deux fils de John, pourtant, n’était tendre envers la mémoire du père disparu prématurément : « C’était un porc machiste et infidèle » tranchait Sean. « C’était un sale égoïste qui nous a abandonnés, ma mère et moi » ajoutant Julian. Freud avait déclaré que, pour s’affirmer, les enfants devaient « tuer le père ». Mais un malade s’était acquitté de la tâche à leur place, un triste jour de décembre 1980. Twist and shoot ! Portrait de Mark Chapman

Mais, comme il se fait tard, Madame Ono a fini par accepter de langer son idole de mari et d’en faire une momie, une éternité énigmatique.

Elle le garde en vie comme Norman Bates garde sa mère dans Psychose,Alfred Hitchock

______________________________________________________

À consulter

http://www.suite101.fr/content/portrait-de-mark-chapman-assassin-de-john-lennon-a2148

Étant donné le succès grandissant des offres très haut débit et de la connectivité mobile, la FTTH (Fiber To The Home) semble promise à un très grand succès. Une étude de l’IDATE en France avance une très forte croissance de telles connections dans le monde d’ici 2014, ce dont on peut attester avec la demande grandissante de transmission de données, vidéos, musique à la maison et la recherche de connexion par les Smartphones.

Les chiffres attestés avancent que 18 pays auront, à l’horizon 2014, crée des réseaux vers plus la moitié des foyers, soit dix pays de plus qu’en 2009. Il faut dire que l’Europe et l’Amérique du Nord sont en retard par rapport à l’Asie où les offres proposées par les fournisseurs d’accès commencent à être financièrement intéressantes comme à Hong Kong, où les forfaits 100Mb/s sont environ à 20$. L’étude avance que l’Europe de l’Ouest serait en tête de l’implémentation de la fibre optique où les projets d’infrastructures sont nombreux. Cependant, en France, il semblerait qu’il y ait un problème de communication puisque 900 000 foyers seraient rattachés à un tel réseau mais seulement 10% y seraient abonnés.

Au Québec, il existe actuellement des doutes quand à la réalité des réseaux Fibe de Bell et Optik de Telus. En effet, l’Union des Consommateurs précise que la fibre optique ne parvient pas jusqu’au domicile des particuliers comme le devrait une offre « Fiber To The Home » (FTTH).  En réalité, les réseaux fibrés n’arrivent pas jusqu’aux foyers sauf dans les quartiers où cette technologie est à l’essai. Cette dissension porte sur la Ville de Québec où  Bell a investi 2 milliards pour l’implémentation du réseau. Actuellement, seules les entreprises peuvent bénéficier d’offres de fibre optique intéressantes.

La technologie LTE

A propos du très haut débit mobile, l’IDATE avance l’idée que le Long Term Evolution devrait trouver son public en passant de 27 millions d’abonnés en 2012 à plus de 207 en 2014. La technologie LTE existe déjà en Suéde et aux Etats Unis et devrait se répandre entre 2011 et 2013 en Europe. Les enjeux portent sur l’explosion de la consommation de data par les Smartphones, ce qui n’est pas sans poser de problèmes de saturation aux heures de pointes. La 4G pourrait régler ce problème et ce seront les ordinateurs portables qui profiteront les premiers grâce aux clés de cet avancement.

En définitive, tout est en devenir dans ce domaine et les réseaux sont en passe de générer toujours plus de richesses.

Rien ne prédisposait ce jeune prêtre lombard à devenir une star adulée dans une Italie où l’engouement pour la musique d’opéra culminait alors à un niveau jamais atteint dans aucun autre pays. Aujourd’hui largement oublié, Padre Davide da Bergamo attirait pourtant des foules considérables dans les églises où il se produisait à l’orgue, réinventant la musique liturgique pour le plus grand plaisir de ses compatriotes enthousiastes, de ses fans, dirions-nous aujourd’hui…

Felice Moretti naît le 21 janvier 1791 à Zanica, une petite bourgade de Lombardie proche de Bergame. Son père, Giacomo Moretti, et sa mère, Teresa Bordoni, sont des gens de condition modeste. L’ouvrage manquant à Zanica, la famille s’installe à Bergame dès 1801. Le jeune Felice, de constitution fragile, est confié à un obscur musicien du nom de Davide Bianchi qui lui donne sa formation initiale dans le domaine artistique.

Le garçon, doté d’un incontestable talent, est présenté en 1808 au compositeur d’origine allemande Simone Mayr, fondateur du Pio Istituto Musicale, une institution charitable destinée aux musiciens nécessiteux. Admis dans l’école, Felice y côtoie d’autres musiciens bergamasques en devenir comme les ténors Giovanni Battista Rubini et Domenico Donzelli, mais surtout l’un des futurs grands noms de l’opéra italien, Gaetano Donizetti. Principalement centrée sur cette musique de scène que ses compatriotes affectionnent tant, la formation du jeune homme aborde néanmoins d’autres formes musicales auxquelles Felice, désireux de sortir de sa modeste condition, s’adonne avec opiniâtreté dans ses exercices de composition lorsqu’il n’étudie pas le piano, l’orgue, les instruments à vent ou l’incontournable chant, ce bel canto si cher au cœur des Italiens.

De 1812 à 1815, le jeune Moretti tient l’orgue de son village natal de Zanica tandis qu’il complète sa formation sur cet instrument à l’école de Bergame sous la direction du maestro Antonio Gonzalès. Ses études musicales terminées, c’est un organiste de talent qui est nommé titulaire de l’orgue de Gandino. Felice reste trois ans dans cette localité proche de Bergame, mais son destin est ailleurs : saisi par la vocation religieuse, le jeune homme part le 25 juillet 1818 à Piacenza pour le monastère franciscain Santa Maria di Campagna où, ses vœux prononcés le 26 juillet 1819, il prend le nom de Padre Davide. Il passera à Santa Maria la majeure partie de son existence jusqu’à son décès en 1863, au terme d’une vie de piété exemplaire mais quelque peu ternie par une santé précaire et une infirmité du bras gauche.

Ce n’est toutefois pas l’édifiante vie religieuse de Padre Davide qui retient l’attention, mais sa double contribution, d’une part à la riche histoire de la composition musicale, d’autre part à l’évolution de son instrument de prédilection : l’orgue. Sur ce dernier point, Padre Davide se révèle en effet si fin connaisseur de la technique et si novateur en matière d’évolutions possibles qu’il devient rapidement un conseiller incontournable des facteurs d’orgue lombards, et notamment des importants créateurs qu’ont été Felice Bossi ou les Fratelli Serassi.

Malgré la pertinence de ses conseils et le travail de concepteur auquel il s’adonne, ce n’est pas dans le domaine technique de la facture d’orgues que grandit la réputation de Padre Davide dans le public : l’homme est également un compositeur de qualité doublé d’un interprète virtuose, et c’est avec un plaisir non dissimulé qu’il met ses talents créatifs au service de sa foi, en multipliant les pièces d’orgue à usage liturgique pour la plus grande satisfaction des fidèles de Santa Maria.

Mais nous sommes en Italie, au cœur d’un pays où l’opéra tient une place si importante que les plus modestes eux-mêmes ont à la bouche un air de bel canto ou aux oreilles les accents dynamiques d’une spectaculaire ouverture. On ne jure alors que par Rossini, Donizetti et Bellini. Emporté par cette vogue, Padre Davide se tourne naturellement vers une écriture musicale marquée par la musique de scène : ses offertoires, ses élévations, ses communions, ses vêpres, ses œuvres sacrées écrites pour Pâques ou Noël, prennent peu à peu une tournure plus théâtrale, tantôt dramatique, tantôt légère et guillerette. Très vite, cette étonnante musique d’opéra à usage liturgique connaît un énorme succès, et le public se presse, toujours plus nombreux, aux offices de Santa Maria pour écouter le prêtre* musicien.

Un public si nombreux et si demandeur que l’on invite Padre Davide dans des lieux de plus en plus prestigieux. L’organiste Arturo Sachetti rapporte qu’il fallut, à Parme, l’intervention de gardes pour limiter l’accès du public à une église San Vitale pleine à craquer. Ou bien encore que l’on dut installer 3000 sièges dans l’église San Marco de Milan pour accueillir, durant huit soirées, les spectateurs enthousiastes venus entendre le prêtre bergamasque.

Cet extraordinaire engouement ne va pas sans susciter quelques remous au sein de la très conservatrice Église. Et de fait, on est désormais bien loin, avec les compositions de Padre Davide, des canons rigoureux de la musique liturgique tels qu’ils prévalaient avant que l’opéra ne réussisse à s’ancrer si profondément dans le cœur des Italiens, et jusque dans celui des fidèles, convertis à ces surprenants accents au point de les plébisciter durant les offices et les fêtes religieuses. « Musique inappropriée » jugent doctement des prélats critiques ; « musique décadente », affirment les tenants d’une censure radicale. Des critiques insuffisantes pour tuer le courant : il faudra en effet attendre le tournant du siècle et la réforme cécilienne pour que l’Église parvienne à remettre de la rigueur – de l’austérité, penseront certains – dans la musique liturgique.

Padre Davide décède le 24 juillet 1863 au monastère Santa Maria des suites d’une crise aiguë d’asthme. Ses obsèques sont suivies par de nombreux artistes et une foule considérable, venue rendre un dernier hommage à celui qui l’a si souvent enchantée par la fraîcheur et l’innovation de sa musique. En l’absence de catalogue, nul ne sait avec précision combien Padre Davide a écrit d’œuvres, les chiffres variant selon les sources de 1800 à 2600, allant de la musique profane (quelques symphonies et concertos) à la musique religieuse pour laquelle il a principalement composé, n’hésitant pas à détruire ou à réécrire les partitions dont il n’était guère satisfait. Tout cela importe peu, car ce qui reste avant tout de ce prêtre musicien atypique, c’est un style en totale harmonie avec son époque.

Un style que l’on retrouve, non sans surprise, dans les œuvres de l’organiste français Louis Lefébure-Wély, adepte, comme son aîné italien, de cette musique d’orgue-orchestre** enjouée que les mauvaises langues qualifient de « musique de limonaire ». Une critique excessive, sans aucun doute. Quant aux limonaires, certains sont de pures merveilles, mais ceci est une toute autre histoire…

* Felice Moretti a été ordonné prêtre à Pontremoli, en Toscane, le 24 octobre 1819.

** Au fil du temps, et grâce en particulier à Padre Davide, l’orgue s’est enrichi de nouvelles sonorités imitatives, notamment des bois et des cuivres.

Liens musicaux :

Padre Davide : sonatine pour offertoire et après-communion (son médiocre)

Lefébure-Wély : sortie (d’office, ndlr) en mi bémol

Cette histoire m’a été transmise par mon ami musicien Claude Gagnon, dont vous retrouvez l’adresse internet sur le panneau du blog, section musicien à droite. http://www.claude-gagnon.com/

L’inconnu à 32$

Le musicien de rue était debout dans l’entrée de la station « Plaza » du métro de Washington DC. Il a commencé à jouer du violon. C’était un matin froid, en janvier dernier. Il a joué durant quarante-cinq minutes. Pour commencer, « La Chaconne de la 2ème partita de Bach », puis « l’Ave Maria de Schubert », du Manuel Ponce, du Massenet et de nouveau Bach. À cette heure de pointe, vers 8h du matin, quelques mille personnes ont traversé ce couloir, pour la plupart en route vers leur boulot.

Après trois minutes, un homme d’âge mûr a remarqué qu’un musici en jouait. Il a ralenti son pas, s’est arrêté quelques secondes puis est reparti en se pressant. Une minute plus tard, le violoniste a reçu son premier dollar : en continuant droit devant, une femme lui a jeté l’argent dans son petit pot. Quelques minutes plus tard, un quidam s’est appuyé sur le mur d’en face pour l’écouter mais il a regardé sa montre et a recommencé à marcher, sans doute déjà en retard.

Celui qui a manifesté le plus d’attention fut un petit garçon qui devait avoir trois ans. Sa mère pressée l’a tiré, mais l’enfant s’est arrêté pour regarder le violoniste. Finalement sa mère l’a secoué et agrippé brutalement afin que l’enfant reprenne le pas. Toutefois, en marchant, il a gardé sa tête tournée vers le musicien. Cette scène s’est répétée plusieurs fois avec d’autres enfa nts. Et tous les parents, sans exception, les ont forcés à bouger.

Durant les trois quarts d’heure de jeu du musicien, seules sept personnes se sont vraiment arrêtées pour l’écouter un temps. Une vingtaine environ lui ont donné de l’argent tout en  continuant leur marche. Il a récolté 32.00$. Quand il eut fini de jouer, personne ne l’a remarqué, personne n’a applaudi. Seule une personne l’a reconnu sur plus de mille personnes.

Personne ne savait que ce violoniste était Joshua Bell, un des meilleurs musiciens sur terre. Il a joué dans ce hall les partitions les plus difficiles jam ais écrites avec un Stradivarius de 1713 valant 3,5 millions de dollars. Deux jours avant de jouer dans le métro, sa prestation au théâtre de Boston était « à guichet fermé» avec des billets d’entrée avoisinants les 100 dollars.

C’est une histoire vraie.  Cette prestation de Joshua Bell jouant incognito dans une station de métro a été organisée par le journal  « Washington Post », dans le cadre d’une enquête sur la perception, les goûts et les priorités d’actions des gens.  Les questions étaient les suivantes :

A)Dans un environnement commun, à une heure inappropriée, pouvons-nous percevoir la beauté ?

B) Nous arrêtons-nous pour l’apprécier ?

C ) Reconnaissons-nous le talent dans un contexte inattendu?Une des possibles conclusions de cette expérience pourrait être que: «Si nous n’avons pas le temps pour nous arrêter et écouter un des meilleurs musiciens au monde jouant quelques-unes des plus belles parti tions jamais composées, à côté de combien d’autres choses passons-nous ?»

__________________________________________________________________

On parle ici de musique. Mais que faisons-nous pour les humains que nous côtoyons?

Sommes-nous suffisamment attentif à la vie?

********************************

Souvenez-vous de cette chanson au texte magnifique : « Louise ».

(ndlr : si ce texte ne peut être reproduit pour des raisons de copyright, merci de mettre le lien vers site web où il figure)

Mais qui a soulagé sa peine
Porté son bois porté les seaux
Offert une écharpe de laine
Le jour de la foire aux chevaux

Et qui a pris soin de son âme
Et l’a bercée dedans son lit
Qui l’a traitée comme une femme
Au moins une fois dans sa vie

Le bois que portait Louise
C’est le Bon Dieu qui le portait
Le froid dont souffrait Louise
C’est le Bon Dieu qui le souffrait

C’n'était qu’un homme des équipes
Du chantier des chemins de fer
À l’heure laissée aux domestiques
Elle le rejoignait près des barrières

Me voudras-tu moi qui sais coudre
Signer mon nom et puis compter,
L’homme à sa taille sur la route
Passait son bras, la promenait

L’amour qui tenait Louise
C’est le Bon Dieu qui le tenait
Le regard bleu sur Louise
C’est le Bon Dieu qui l’éclairait

Ils sont partis vaille que vaille
Mourir quatre ans dans les tranchées.
Et l’on raconte leurs batailles
Dans le salon après le thé

Les lettres qu’attendait Louise
C’est le Bon Dieu qui les portait
La guerre qui séparait Louise
C’est le Bon Dieu qui la voyait

Un soir d’hiver sous la charpente
Dans son lit cage elle a tué
L’amour tout au fond de son ventre
Par une aiguille à tricoter

Si je vous garde Louise en place
C’est en cuisine pas devant moi
Ma fille prie très fort pour que s’efface
Ce que l’curé m’a appris là

Et la honte que cachait Louise
C’est le Bon Dieu qui l’a cachée
Le soldat qu’attendait Louise
C’est le Bon Dieu qui l’a vu tomber

Y a cinquante ans c’était en France
Dans un village de l’Allier
On n’accordait pas d’importance
A une servante sans fiancé

Le deuil qu’a porté Louise
C’est le Bon Dieu qui l’a porté
La vie qu’a travaillé Louise
C’est le Bon Dieu qui l’a aidée

Mon frère à moi est un gangster

Son interprète, Gérard Berliner est mort hier. Pour l’anecdote et pour expliquer le titre curieux de cette partie, il était le (demi) frère de Bruno Berliner, gangster français des années 80, membre du célèbre gang des postiches.

Les paroles de « Louise » sont signées du parolier Franck Thomas et Gérard Berliner a su donner à ce texte une rare dimension. Elles ne sont pas légion les chansons fortes, authentiques, qui font hérisser les poils de la peau, qui font pleurer. Il y a « Avec le temps » de Ferré, « Mon vieux » de Jean Ferrat et rendu célèbre grâce à Daniel Guichard. Ou encore « Le sud » de Ferrer. J’ai d’ailleurs écrit l’autre jour un texte « Ferrat, Ferré, Ferrer » que vous trouverez sur mon blog.

Berliner et son alter Hugo

Mais aujourd’hui, je rends hommage à Gérard Berliner, ce chanteur qui a aussi donner tant de force et d’émotion aux textes de Victor Hugo (que l’on peut écouter ici sur le site Musicme). Le chanteur sait restituer toute la puissance du chant déchirant du père Hugo pour sa fille disparue dans des conditions dramatiques. Si sa version de « Demain dès l’aube » me laisse perplexe sous le titre « Aimer est plus que vivre », le titre « Il n’avait qu’à me laisser vivre » (… « avec ma fille à mes côtés ») est d’un rendu impeccable et sait rendre hommage au grand poète et à ses drames.

Une des caractéristiques de Gérard Berliner est de jouer sur les variations de tonalité de sa voix qu’il peut avoir haut-perchée. La dernière partie de « Louise » comme d’autres chansons prend une subite intensité avec présence importante de l’orchestre (parfois un peu trop) et prend une accélération haletante. Ainsi dans « Louise », le couplet qui évoque les tranchées de la Guerre de 14.

Déjà dans « Louise », on sent percer Hugo avec ce premier couplet qui décrit l’amour des simples : un amour sans parole qui passe par le geste et le fardeau que l’on partage, ainsi que le fit Jean Valjean en empoignant le seau de Cosette. Le texte de Franck Thomas sait restituer toute une époque avec de simples évocations, avec une histoire hélas banale. Cette force, cette émotion, Gérard Berliner les avaient retrouvées grâce à Victor Hugo, son « alter Hugo » comme il disait.

Liens :

Regarder la vidéo sur Dailymotion

Le site officiel de Gérard Berliner