Preuve que le jazz ne démode pas, il resurgit parfois sous forme de tubes planétaires. Nous allons commencer par contenter le mélomane pressé en présentant ces succès. Puis, les autres lecteurs pourront rester  et nous irons à la pêche aux perles…

Des tubes de jazz féminins !

En 2002, une jeune et merveilleuse chanteuse se révèle aux oreilles du monde entier avec son album « Come away with me ». Un véritable tsunami musical déferle sur les ondes et 20 millions d’exemplaires seront vendus. 5 récompenses aux Grammy Awards de 2003 viennent aussitôt couronner la nouvelle star du jazz : (« disque de l’année », « album de l’année », et « chanson de l’année » pour « Don’t know why« . Tout le monde aura reconnu Norah Jones. Cette jeune chanteuse, née en 1979, à la voix douce et ensorceleuse séduit jeunes et vieux. Ses ballades sont mêlées de jazz, de folk et de mellow pop. Norah est la fille d’un grand musicien, le joueur de sitar Ravi Shankar (lire mon article sur son célèbre papa).

Mais ce n’est pas la première fois qu’une chanson de jazz devient un tube planétaire. On se souviendra de Nina Simone et de son « My baby just cares for me«  (1987) qui fit danser dans les boîtes de nuit de années 80. Pianiste et chanteuse américaine (1933 – 2003), la chanteuse, qui aimait la France, choisit le pseudonyme de Simone en hommage à Simone Signoret après avoir vu le film « Casque d’or ». Nina Simone mourut en France où elle s’était réfugiée en 1974 fuyant le racisme qui sévissait aux Etats-Unis. Elle lutta d’ailleurs contre ce mal avec ses chansons, notamment « Four woman » (version longue en « live ») qui rend hommage à quatre jeunes filles noires tuées dans un attentat raciste de 1963, et « The king of love is dead » en1968, l’année de l’assassinat de Martin Luther King. Ecoutons-la dans cette version de « I love you Porgy » de Gershwin.

Avant Norah, avant Nina, il y eut d’autres tubes, comme « La Belle vie« , une chanson de Sacha Distel dont l’interprétation ici est de Dee Dee Bridgewater, qui – ironie du cette présentation – est née à Memphis Tennessee, ville où fut tué Luther King.  Je vous conseille au passage « Precious thing« , un duo Dee Dee Bridgewater – Ray charles.

Autres standards célèbres :  « Cry me a river » chantée » par  Julie London en 1955. Et l’inoubliable « Unforgettable » de Natalie Cole en duo avec son père Nat King Cole.

Cette liste n’est bien sûr pas exhaustive (voir ci-dessous « Stormy Weather » par exemple) mais il est temps de passer aux autres grandes voix et aux perles…

De grandes voix du jazz

Comment ne pas évoquer d’entrée Sarah Vaughan ? En décembre 1944, elle enregistre une splendide version de « A Night in Tunisia » sous le nom de  « Interlude » avec Charlie Parker et Dizzy Gillespie, excusez du peu.  Quelques autres titres : « Nice work if you can’t get it » de Gershwin, « But not for me« , de Gerswhin toujours, « Stormy weather« .

Anita O’Day (1919 – 2006) est une pure autodidacte. Le 28 octobre 1970, lors d’un passage à Paris en première partie de Charlie Mingus, elle fut victime de racisme inversé : huée et insultée par le public pendant plus d’une demi heure parce qu’elle était blanche. Charlie Mingus finit par  venir au micro exrpimer son indignation. Quelques-uns de ses titres : « Black coffee« , « Sing, sing, sing« , « Honeysuckle Rose« , « Misty« .

Je n’oublie pas que je suis sur un site canadien et j’en viens à la belle blonde Diana Krall. Canadienne et épouse d’Elvis Costello, chacun de ses concerts fait un carton. Nous indiquerons ici quelques titres : « I’m an errand girl for rythm« , « ‘S wonderful« , « All or nothing at all« , « Peel me a grape« , « I don’t know enough about you« , « Let’s face the music and dance« , « Devil may care« .

La chanteuse de jazz américaine Stacey Kent marie la littérature et la musique. Il faut dire qu’elle a obtenu un diplôme en littérature comparée et qu’elle a par la suite rencontré son mari en Grande-Bretagne, le saxophoniste Jim Tomlinson. Je lui ai déjà consacré un article (lire ici). Quelques titres au passage : « Ces petits riens« , « Samba Saravah« , « The ice hotel« , « Au coin du monde« .

Mélody Gardot est une valeur montante. Renversée par une voiture l’âge de 19 ans, elle surmontera  ses graves traumatismes grâce à la musicothérapie. Dans la foulée, elle est devenue compositrice et interprète de jazz ! Mais elle jouait déjà du piano avant son accident. Quelques titres : « Worrisome heart« , « All that i need is love« , « Les étoiles« .

Robin McKelle est une chanteuse américaine souvent comparée à Ella Fitzgerald.  Ecoutons-la dans son interprétation du célèbre « cheek to cheek« . Quelques autres titres : « Abracadabra« , « Mess around« , « Make someone happy« .

Mon « coup de cœur »

J’ai choisi de vous faire découvrir la chanteuse Elisabeth Kontomanou. Je suis sûr qu’à l’écouter vous comprendrez la raison de mon choix. Cette voix prodigieuse est celle d’une française d’origine gréco-guinéenne. Deux titres superbes pour vous mettre en appétit : « Back to my groove« , « What a life« .

Hommage à Abbey Lincoln

La chanteuse, qui était devenue (avec son ex-époux, le batteur Max Roach) la référence de l’engagement pour les droits civiques, est décédée le 17 août 2010. Choix de titres : « The music is the magic« , « Blue monk« , « Afro blue », mais bien d’autres titres méritent d’être connus.

Liste complémentaire 1  (avec liens) :

- Helen Merrill : « Why don’t you do right« , « Sometims i feel like a motherless child« .

- Shirley Horn : « Here’s to life« , « I just found out about love« .

- Laïka Fatien : « Zigaboogaloo« , « Lady’s back in town« .

Liste complémentaire 2  (sans liens) : par ordre alphabétique :

Susanne Abbuehl, Mina Agossi, Karrin Allyson, Mélanie Dahan, Anne Ducros, Lisa Ekdahl, Sidsel Endresen, Karen Lano, Sara Lazarus, Jeanette Lindstrom, Petra Magoni, Carmen McRae, Terez Montcalm, China Moses, Madeleine Peyroux, Dianne Reeves, Marjolaine Raymond, Claudia Solal, Nathalie Soles, Mary Lou Williams, Cassandra Wilson, Norma Winstone, Lizz Wright.

Bonne écoute et à bientôt pour la suite de cette série sur le jazz !

La musique classique sait aussi faire danser. Les valses et les ballets en mettent plein les mirettes. Les peintres le savent bien qui les ont immortalisés dans leurs chefs-d’œuvre. Les deux genres musicaux se mélangent parfois : des valses célèbres comme celles de « Casse-Noisette » ont illustré des ballets.

La valse a ce rythme bien particulier qui emporte les danseurs et les grise plus que toute autre forme musicale. Le fait que les partenaires se déplacent en tournant sur eux-mêmes n’est-il pas fait justement pour faire tourner les têtes ? Pour une fois en musique classique, les corps sont autorisés à s’exprimer.

I – La valse

La valse est restée très populaire. Elle fait encore rêver les gens. Avant cette danse célèbre que l’on a tant de fois admirée au cinéma, à la télévision, était la valse lente. C’est la forme la plus ancienne. Mais cette forme ancienne à deux temps a laissé la place à la valse viennoise à trois temps, au pas plus rapide. Il existe des particularismes : la valse anglaise (forme de des valse lente), la valse musette française . Mais ce sont les valses de Vienne rendues célèbres par Johann Strauss, père et fils, qui sont les plus nobles et les plus prisées. C’est le fils qui composa la fameuse valse « Le Beau Danube bleu ».

Quelques exemples de belles valses lentes :

Carulli, un compositeur italien du XIXème, fut l’un des premiers à écrire des œuvres pour guitare. Exemple cette petite valse à la guitare (vidéo YouTube).

Une valse lente de Carulli

Valse lente du compositeur finlandais Oskar Merikanto

Valse triste de Sibelius

Valse no 2 de Chopin

Les valses nobles et sentimentales de Maurice Ravel (exemple)

Quelques grandes valses viennoises :

Le Beau Danube bleu

Aimer boire et chanter

Valse de l’empereur

Sang viennois

La valse reste moderne. « Jazz Suite n°2 : Valse n°2? de Chostakovitch a été rendu célèbre par la publicité. Nous avons découvert « Amour et Printemps » d’Emile Waldteufel comme générique de l’émission télé « ciné-club ». Ce compositeur français méconnu a aussi composé quelques autres grandes valses comme : « Les Patineurs » et « Valse de la poupée ». La « Valse d’Amélie » du compositeur Yann Tiersen a illustré le film « Le fabuleux destin d’Amélie Poulain ».

II – Les musiques de ballets

Le ballet est un genre dramatique dont l’action est figurée par des pantomimes et des danses. Ses origines remontent à la Renaissance italienne (XVe siècle).

Les valses on toute leur place dans les ballets classiques. Très connues, les valses du ballet « Casse-noisettes » de Tchaïkovski sont ici superbement mises en scènes :

Casse-noisette (Nutcracker) – Valse des fleurs (YouTube)

Valse des flocons (YouTube)

Le Lac des cygnes (YouTube)

Un peu d’histoire : Le ballet (« ballo ») a vu le jour à la cour italienne de la Renaissance où les mariages étaient somptueusement célébrés. L’épouse du roi Henri II, l’italienne Catherine de Medicis, l’importa en France et lui donna son soutien financier. Mais c’est au XVIIe siècle, à la cour de Louis XIV, que le ballet connaîtra un développement important.

Le ballet intercalaire, inséré dans un opéra, devient ensuite une spécificité de l’art lyrique français (Lully, Rameau), mais aussi chez Gluck.

Le ballet moderne va le supplanter, les conceptions wagnériennes rendant caduque la pratique du ballet intercalaire : le ballet comportera désormais une comprend une succession d’épisodes qui s’enchaînent de manière continue.

La compagnie des Ballets russes est fondée par des Russes exilés à Paris après la Révolution de 1917. Elle ravive l’intérêt du public pour le ballet.

Mon site de créations musicales personnelles : jazzytudes.

Dernier album paru « Simples mélodies » (qui précède « Mélodies sophistiquées » à paraître)

Photo : Ludovic Zeller

En marge des gros shows médiatisés, l’une des forces du Festival International de Jazz de Montréal est de semer sur ses scènes extérieures des poignées d’artistes et de groupes peu connus. Parmi ceux-ci se produisait mercredi le Souljazz Orchestra, dans deux prestations sur la « scène du Festival », celle qui tourne le dos au complexe Desjardins.

Très franchement, le Souljazz Orchestra n’est certainement pas le plus impressionnant ni le plus créatif des combos de jazz présentés cette année, mais il tire son énergie d’un pan de l’histoire musicale qui brille par sa rareté dans le panorama actuel. Ce que font revivre ces jeunes trentenaires, c’est une musique plus vieille qu’eux : le funk original des années soixante et soixante-dix, le groove des racines qui a fait la réputation des James Brown, Sly and the Family Stone, Parliament, et autres Larry Graham. Loin des paillettes et de l’électronique, ce soul-funk principalement instrumental est chez lui au JazzFest, puisqu’il est né d’un mélange de soul et de jazz modal. Concrètement, cela donne des pièces assez longues, bâties sur un accord et une unique boucle rythmique et harmonique, à « mid-tempo » (dansant, mais pas frénétique).

Sur la scène s’alignent une chanteuse-percussionniste et trois saxophonistes (baryton, ténor et alto), encadrés par un multi-claviériste équipé d’instruments d’origine (piano Fender, clavinet), un batteur au kit dépouillé et un guitariste intermittent.

À défaut d’être des virtuoses, les huit musiciens investissent dans l’entreprise un appréciable équilibre de respect et d’instinct, redonnant à cette musique sa pertinence et son éclat. On note avec étonnement l’absence de bassiste, remplacé par la main gauche du claviériste qui compense son manque de volubilité par une rigueur irréprochable. Parfois scandées, les parties chantées sont généreusement distribuées aux instrumentistes et souvent reprises collectivement. Visiblement moins politisés que leurs aînés, les membres de l’Orchestra n’oublient pas pour autant de s’ouvrir aux influences afro-cubaines et aux références mystiques, dans leurs compositions comme dans leurs reprises.

Le collectif fut fondé en 2002, quelque part au Canada – le site du groupe reste très vague à ce sujet, mais le fait que plusieurs des membres soient francophones nous donne un indice ! Selon la biographie, le groupe a donné des centaines de concerts à travers [sic] l’Amérique du Nord et l’Europe, partageant la scène avec certains des plus grands artistes du genre, incluant Femi Kuti, Etta James, Sharon Jones & the Dap-Kings, Érik Truffaz et le Hypnotic Brass Ensemble.

Au lendemain de l’enterrement de Michael Jackson, le concert se termine par un hommage inattendu au Roi de la Pop : une version de Billie Jean dont la trop grande sagesse trahit un ajout de dernière minute au répertoire.

Album Manifesto (Do Right! Music) chez les disquaires ou en ligne sur www.souljazzorchestra.com. En concert au FIJM et au Ottawa International Jazz Festival.

Miles From India est une œuvre musicale qui rassemble deux groupes de musiciens ayant pour repère commun la musique du regretté Miles Davis. L’idée de ce mariage davissien entre l’Occident et d’Inde vient du producteur-archiviste newyorkais Bob Belden, qui connaît son sujet puisqu’il est le réalisateur de plusieurs coffrets du trompettiste.

Un bataillon de jazzmen ayant tous tenu un pupitre aux côtés de Davis fait donc équipe avec la crème des musiciens indiens, appartenant à plusieurs générations et rassemblés par le claviériste et arrangeur Louiz Banks.

La réalisation a pris des allures d’expédition, puisque sur une base acoustique enregistrée à Numbai et à Madras, les instrumentistes de New York, Chicago et Los Angeles ont très librement complété les pièces. Les répétitions étaient informelles, aucune contrainte n’était dictée et la structure ne demandait qu’à être bousculée. On s’en doute, l’hommage au pionnier du free-jazz n’en est que plus authentique.

Pour faciliter l’improvisation, un certain nombre de morceaux utilisent la répétition de courts cycles, rappelant à la fois une structure assez typique des années soixante-dix et les principes indiens de transe collective. Ces moments, inscrits dans la durée, génèrent des pièces mouvantes qui peuvent s’étendre bien au-delà des formats habituels (Spanish Key dure vingt minutes), d’où un album double de plus de deux heures.

Le livret assez étoffé permet de saisir certaines particularités de l’apprentissage de la musique en Inde, où la transmission est une tradition essentiellement familiale. On y parle aussi de l’influence du jazz sur les trois dernières générations de musiciens locaux… et pas seulement parmi ceux qui ont joué avec Davis. Selon Bob Belden, ils « se transmettent ce savoir musical (cet esprit) de génération en génération par tradition orale, exactement comme le font les musiciens qui ont accompagné Miles Davis. »

Il s’agit donc d’une relecture de quelques pièces-phares de la carrière du grand Miles, mais aussi du prolongement de sa vision d’un jazz ouvert, exigeant et sans frontières. C’est donc sans surprise qu’on retrouve des compositions qui vont de In A Silent Way (1969) à Aura (1985). En revanche, on écoute avec incrédulité la relecture inattendue de trois standards de l’époque cool : Blue In Green en version orientale, et les classiques All Blues et So What sur une rythmique déconstruite. Également au menu, deux versions de Ife : une lente, enregistrée en Inde, et une rapide, issue des répétitions avec l’équipe américaine.

Les surprises viennent de la présence en studio de deux vétérans associés au jazz mainstream : Jimmy Cobb, qui jouait sur Kind of Blue en 1959, et Ron Carter, qui fut le contrebassiste du quintet de Davis dans les années soixante. Surprenants aussi sont le jeu du jeune pianiste indien Louiz Banks, qui « sonne comme quelqu’un de Manhattan », et le réputé bassiste et producteur Marcus Miller… à la clarinette basse ! Disciples du maître à leurs débuts, Mike Stern, Chick Corea et Lenny White font aujourd’hui preuve de leur maturité, et c’est chez le trompettiste Wallace Roney qu’on cherche des échos de la « voix » de Miles. Mais qui mieux que McLaughlin personnifie le projet, lui qui fut un compagnon de route du trompettiste avant de vouer une partie de sa carrière à l’approche des musiques indiennes, jusqu’à s’acheter une maison à Madras ? C’est à lui que revient la tâche de conclure, proposant sa pièce Miles From India, unique composition de l’opus.

Le rapprochement des cultures et l’hommage au maître sont donc les deux piliers de cet album érudit. Le respect et l’humilité sont deux belles qualités, mais elles constituent peut-être aussi les limites de cet effort : malgré l’alignement des étoiles, personne n’ose rompre l’harmonie collective en tirant à soi la couverture. Par chance, le calibre exceptionnel des musiciens assure l’éclat de l’ensemble et fait honneur à la mémoire du maître du cool !

Site Web : www.milesfromindia.com

Difficile période des fêtes pour les vétérans du jazz d’ici, Oscar Peterson ayant définitivement tiré sa révérence le jour de Noël ! La tornade Peterson disparue – même si l’arthrite avait prématurément mis fin à sa carrière – la figure du patriarche s’incarne tout naturellement en la personne d’Oliver Jones.

« Peterson a été ma principale source d’inspiration, sans aucun doute », reconnaissait récemment Jones avec la formidable humilité qui caractérise ce jeune homme de 73 ans.

Né un 11 septembre dans la Petite-Bourgogne et élevé dans une maison modeste, voisine de celle d’Oscar Peterson, Oliver Theophilus Jones est ce qu’il convient d’appeler un talent musical « naturel », donnant son premier spectacle à cinq ans et jouant à neuf dans un club de nuit ! On se souviendra que sa première professeure de piano jazz était Daisy Peterson Sweeney, la propre sœur d’Oscar, et que la carrière du pianiste s’étend bien au-delà du registre jazzique.

Pour celui qui fut le pianiste résident du club Biddle’s, la fidélité à la scène montréalaise est une constante, du moins pour les trois dernières décennies. On ne s’étonnera donc pas de le voir poser son regard rêveur sur le décor de la vieille ville en couverture de ce nouvel album.

Second Time Around s’inscrit comme la suite logique de One More Time, paru en 2006 et gagnant d’un Félix. Fidèle à la formule du trio qu’il affectionne particulièrement, Jones s’offre ici une rythmique intergénérationnelle de haut calibre : le contrebassiste Éric Lagacé reprend avec brio le pupitre tenu précédemment par Dave Young, tandis que le tout jeune Jim Doxas nous confirme qu’il est LE batteur à surveiller.

Cette seconde visite est un album très équilibré qui parcourt la palette du jazz mainstream, de la ballade aux morceaux d’inspiration bebop à tempo élevé en passant par le swing bondissant. S’y côtoient quelques standards et six compositions, dont deux sont dédiées aux sidemen du pianiste : Museric Waltz, une valse aux accents romantiques pour Éric Lagacé, et D for Doxas, où le jeune drummer démontre sa vélocité.

À l’écoute, on prend vite conscience du parti pris de s’amuser avec les figures de style, en donnant à l’inoxydable Misty une facture langoureuse avant de le déconstruire, ou en réinterprétant un blues (Simple Blues) et une structure bop (Dizzy-Nest). Jones prend aussi le prétexte du traditionnel Precious Lord en piano solo pour donner cours à un lyrisme typique qui nous rappelle sa récente prestation en tant que musicien invité du Montreal Jubilation Gospel Choir. Et on se réjouit de constater que le temps n’a pas de prise sur ces doigts-là.

Malgré leur âge et leurs parcours distincts, les trois musiciens font la démonstration d’une grande cohérence et ne manquent pas non plus l’occasion de se livrer à quelques échappées sous la forme de solos toujours maîtrisés. Du beau travail qui donne un souffle de vie à une tradition bien assise.

Il sera intéressant et réjouissant de retrouver l’énergie de l’album sur la scène du Festival de jazz de Montréal, où Mister Jones se produira en voisin cette année encore. Le public pourra l’entendre dans divers contextes, célébrant le 25e anniversaire de Justin Time, l’étiquette à laquelle il reste fidèle, et marquant une nouvelle fois de sa présence le spectacle de clôture.

Bien joué… surtout pour un musicien qui avait pris sa retraite en 2000 !