Rien ne va plus pour la chanteuse américaine d’origine australo-équatorienne. Non seulement, elle  est en plein divorce d’avec son mari le producteur Jordan Bratman, mais sur le plan show biz, tout va mal. Son nouvel album est un échec retentissant, pas même 300 000 copies écoulées, alors qu’elle a toujours battu la barre du million par disque.

Avec ses talents d’auteur-compositeur-arrangeur et productrice de ses propres disques, elle a vendu, à ce jour, 42 millions d’albums et environ 50 millions de singles à travers le monde. Et pourtant, elle a été obligée d’annuler sa tournée mondiale faute de réservations. Elle pourra se contenter de sa fortune estimée à 60 millions d’euros.

Qu’elle rebondisse ! C’est tout le mal qu’on lui souhaite

Genie in a bottle

C’est il y a quelques jours seulement que l’Angleterre est tombée sous le charme de Carla Bruni, cette fois non pas en tant que femme du président français, mais en tant que chanteuse de variété.
À peine sortie de la BBC où elle s’est rendue afin d’y présenter son dernier album « Comme si de rien n’était », l’ex-mannequin s’est littéralement faite encenser par la critique anglaise. « Elle a joué la tentatrice au maximum (…). Posant sur un tabouret de bar, semblant flotter sur “Tu es ma came” » selon l’Indépendent. « Carla est irrésistible » d’après le Times. « Techniquement, ce n’est pas la voix la plus forte mais comme Françoise Hardy et Jane Birkin, le ton de Bruni utilise sa vulnérabilité avec un bel effet », accorde le journal…

Carla Bruni sur tous les plans

Mannequin, chanteuse à succès puis première dame de France, la chance ne cesse de sourire à Carla Bruni. Mais cela ne suffit pas à l’épouse du président français. Comparée à la très chic Jackie K pour son élégance ainsi que pour ses tenues, la belle prend aujourd’hui les responsabilités qui incombent à son rang. Elle profite maintenant de son temps libre pour s’engager contre la pauvreté dans le monde. Entourée de la reine Rania de Jordanie et de Wendi Murdoch, (femme de Rupert Murdoch, le magnat des médias) elle laisse de côté sa musique afin de se consacrer à la Campagne du millénaire. Son objectif : faire reculer la mortalité des femmes en couches et des jeunes enfants de 75% en quinze ans…
Irrésistible Carla Bruni
Comment résister à Carla Bruni, cette épouse parfaite, cette chanteuse à la voix de velours ou encore cette femme concernée par le malheur d’autrui… ? Il semblerait que l’épouse du président français ait tout compris quant à son nouveau rôle à jouer… Et elle l’avoue, sans complexes aucuns. « J’ai le monde de mon mari… C’est comme essayer d’être avec lui… sans tout changer de ce que je sais et de ma manière de vivre. Ce n’est pas si difficile, c’est comme jouer dans un film », affirme t’elle.

Je vous avertis tout de suite, cette chronique aura besoin de vos commentaires pour s’accomplir. Pourquoi ? Car il m’est très difficile d’être objectif pour cette critique.

Il s’agit d’un album que j’attendais depuis très longtemps, la formation étant pour moi parmi mes groupes préférés. Dès que les simples sont sortis (Viva la Vida et Violet Hill), je les ai écoutés à maintes reprises, sans me lasser de la voix de Chris Martin et des arrangements magnifiques, incluant les ensembles de cordes et de grosses caisses rythmées.

J’ai l’album en main et je ne suis pas déçu.

Un ensemble fidèle à Coldplay. À chaque opus de la formation, ils nous ont offert le même style avec toujours une variante. Cette fois-ci, ils ont décidé d’y aller dans les arrangements. Des sons de grosses caisses aux cordes tonitruantes nous transportent dans des atmosphères Rock ambiants délicieux. La guitare électrique pesante sur certaines pièces laisse sa marque et nous traverse le corps. Une basse agréable berce les compositions. Le piano toujours important n’est pas en reste avec ses accords lourds. Les textes de Martin sont toujours portés d’images. À noter, une facture visuelle très intéressante, sortant du style habituel du groupe, apporte une saveur de champ de bataille, de révolution (on sens le lien avec les tambours et avec une pièce comme Violet Hill qui sonne comme une marche militaire sur des substances illicites).

Un album à ajouter à votre collection. Et s’il y a des chanceux qui ont réussis à mettre la main sur des billets pour le spectacle au Centre Bell… je serai disponible pour vous accompagner n’importe quand !

Trois ans après avoir lancé « Make Believe », un disque qui s’éloignait déjà passablement des cordes de Weezer, le groupe californien applique une nouvelle couche de peinture avec l’album rouge (après le bleu et le vert). Ce sixième album officiel semble être un compromis entre les origines du groupe et les nouvelles voies qu’il désire emprunter. À première écoute, on pourrait croire que c’est juste plus pop, mais ce serait une erreur. C’est justement cette accessibilité croustillante qui a fait la marque de Weezer. À défaut de pouvoir comparer, analysons…

En faisant un « zoom-out » pour capter le portrait général, on note une hétérogénéïté sur l’ensemble du disque : la première moitié étant plus commerciale et habituelle, la seconde étant plus décousue et expérimentale. Au première abord, on se laisse prendre par le côté accrocheur des premières pièces. Troublemaker ouvre en force avec son refrain punché de futur extrait radio. L’excellente The Greatest Man That Ever Lived surprend par ses changements de rythme et son irrégularité. Pork and Beans, premier extrait en puissance, propulsé par un excellent vidéoclip, complète le trio d’ouverture avec brio. Ensuite, on perd un peu nos repères avec Heart Songs, une petite mélodie agréable qui ne ressemble en rien aux compositions auxquels Rivers Cuomo nous a habitué. Everybody Get Dangerous complète très bien la première moitié avec des airs à la Red Hot Chili Peppers.

La seconde moitié, tel qu’annoncé dans le paragraphe précédent, nécessite un apprivoisement. Dreamin’ rappelle encore le son de Weezer alors que Thought I Knew se niche dans des sentiers plus folk. Pour ce titre, un exercice de chaise musicale s’est imposé : Le chanteur à la batterie, le guitariste au chant, le drummer à la guitare… Amusant ! Pat Wilson (drums) s’est amusé à chanter sa propre chanson lui aussi en prêtant sa voix à Automatic. Les résultats de ces jongleries à l’interne sont appréciables et démontrent parfaitement la chimie qui demeure au sein du groupe. L’album rouge n’a pas de ligne directrice, mais ça fait partie du charme. On s’y retouve jusqu’à la fin, bercé par les dernières notes de la très sentie The Angel and the One, sans trop se poser de questions. Seul ombrage au tableau : Cold Dark World, une chanson effacée qui n’apporte rien, sinon qu’un brin d’ennui entre deux excellentes pièces.

La version « deluxe » de l’album offre quatre pièces supplémentaires. Deux d’entre-elles (Miss Sweeney, King) valent le détour alors que les deux autres (Pig, The Spider) sont parmi les plus mauvaises du groupe qu’il m’a été donné d’entendre. Toutefois, le livret accompagné des commentaires des gars de Weezer justifie l’achat de cette version à lui seul.

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Nous avons déjà changé 12 fois le calendrier depuis le premier album d’Isabelle Boulay en 1996, et voilà qu’elle rapplique avec son dixième, Nos Lendemains. Musicalement, on le dit plus épuré, bien que l’album précédent puisait déjà dans des racines simplifiées avec un son plus folk. Mais en réalité, un album d’Isabelle Boulay demeure un album d’Isabelle Boulay, celle qui est toujours bien entourée, celle qui a droit à des productions léchées, pour le meilleur et pour le pire.

La force de cet album, à regard levé, se trouve dans les textes. On remarque toujours une poésie recherchée au coeur des chansons qu’interprète Isabelle. Il faut être conscient que bien des auteurs se battent, probablement avec raison, pour qu’elle prête sa voix à leurs textes. Forte de cet embarras du choix, toujours et encore, Mme Boulay livre les vers de collaborateurs de la trempe de Maxime Le Forestier. Et le courant passe.

Nos Lendemains, la pièce titre, est une adaptation d’une chanson (Tomorrow in her eyes) de Ron Sexsmith, un chanteur Ontarien qui a la cote. Déjà en deuxième piste, avec ce titre, on a compris le ton de l’album. Mais la meilleure mélodie de l’album est celle qui suit sur l’album. Ton Histoire est toute désignée pour devenir un succès Rock Détente par excellence. Et c’est effectivement le cas, depuis la sortie de ce premier extrait. Je ne t’en veux pas a beaucoup de potentiel radiophonique aussi, mais nous verrons !

Vouloir T’aimer, directement de la plume de Laurence Jalbert, est une belle surprise en fermeture d’album. En fait, ça sonne exactement comme du Laurence Jalbert, ce qui représente certainement une réussite en terme d’interprétation.

Déjà dix albums disions-nous, mais la belle rousse n’a pas tellement changé au fil des ans. Elle demeure fidèle à son style, toujours portée par le timbre particulier de sa voix, rauque et perçant à la fois, faible et puissant en même temps. Les fans ne seront pas bousculés dans leurs convictions. D’autre part, le public d’Isabelle Boulay ne devrait pas s’élargir avec ce disque qui n’ajoute aucune corde à son arc déjà bien garni. C’est excellent dans le genre, mais le genre n’est plus excellent.

Le chat parti, les souris dansent. Les Chiens partis, Monsieur Mono s’attriste. En effet, lorsqu’Éric Goulet (leader du groupe Les Chiens) se retrouve en solo (ou en Mono), il perd son mordant au profit d’une ligne directrice plus mélancolique. Il en avait fait la brillante démonstration sur son premier album Pleurer la mer morte et il en remet avec Petite Musique de Pluie, sa nouvelle larme, son dernier vague à l’âme. Voilà un album qui, plus que jamais, porte parfaitement son titre.

Très loin d’être un album pour faire lever un party, le dernier de Monsieur Mono trouve davantage sa niche lors d’un souper tardif, alors que l’hôte soupire à sa fenêtre dans l’attente infinie de sa flamme qui n’arrivera probablement jamais. C’est de la romance étouffée, de l’essence de chagrin à l’état pur. La voix de Goulet est monotone et dépeint avec nonchalance la fatigue de l’état actuel des choses. Les arrangements de cordes planent au gré des douze titres alors qu’un synthé laisse déborder une ambiance électro soutenue qui ne se perd pas dans l’abus.

Les meilleurs moments de l’album se retrouvent respectivement en première, cinquième et huitième piste. Dors, mon amour, dors amorce l’album comme une berceuse qui donne le ton malgré son désir de retenue. Comme en temps de guerre, en duo avec Ariane Moffatt, est une réussite sur toute la ligne. Le mood s’imprègne dans l’air comme un cerne de buée sur le miroir… les voix se marient parfaitement. L’espace d’une fille laisse la poésie suivre la mélodie, abandonnant un peu le ton robotique que la jolie pochette voudrait peut-être expliquer.

Pour l’ensemble, ce n’est pas un album que l’on sort tous les jours. Il faut vraiment se laisser prendre au jeu pour apprécier le produit à sa juste valeur. Il faut voir les deux côtés de la médaille qu’il a dans le cou, ce Chien !

Le groupe britannique Radiohead a longtemps été un success story commercial, presque une vache à lait pour la compagnie EMI ; après un premier album qui avait surpris, mais que le groupe a depuis fort longtemps renié (Pablo Honey, 1993) et les deux suivants qui figurent parmi les tout meilleurs des années 90 (The Bends, 1995 et OK Computer, 1997), le quintet a commencé à aller très loin en territoire inconnu, perdant plusieurs fans un peu mous au fil du temps, mais se forgeant une réputation des plus enviables, c’est-à-dire celle d’un groupe qui ne rate jamais son coup. In Rainbows, septième opus du groupe, poursuit magnifiquement dans la même honorable lignée.

Commençons par un cliché : cet album n’est pas nécessairement facile d’écoute à prime abord. In Rainbows ne fera pas lever votre party, et vous aurez besoin de quatre ou cinq écoutes pour bien vous familiariser et commencer à apprécier pleinement le contenu. Ceci étant dit, on parle donc d’un album à part (comme presque tous les albums de Radiohead). On y retrouve un peu de tout ce qui a composé les disques du groupe jusqu’à maintenant, sans y ressentir ce qui aurait pu être un déjà-vu désagréable. Des pièces puissantes (Bodysnatchers), intenses et rythmées (Jigsaw Falling Into Place, l’ouverture 15 Step, Weird Fishes / Arpeggi), parfois atmosphériques et éthérées (Nude, Faust Arp, All I Need).

Les guitares reprennent peu à peu la place qui lui est due dans la musique de Radiohead depuis les deux derniers albums ; combinées à la voix unique et toujours hypnotisante de Thom Yorke, rythmées par la batterie cyclique de Phil Selway, soutenues par une ligne de basse irréprochable, parfois enrichie d’electronica, elles forment un ensemble à elles seules, qui se mettent en branle parfois subtilement, parfois brusquement, jamais agressives mais juste assez accrochantes. La symphonie qui s’en dégage, moins froide que sur Kid A (2000), est aussi moins déroutante que Hail To The Thief (2003), album qui partait dans toutes les directions. On sent bien la ligne directrice dans In Rainbows, et d’une certaine façon, il en résulte un disque plus facile d’approche, plus accessible, tout en étant étonnamment original.

Décidément, si le temps semble être capable de ralentir l’esprit créatif des membres de Radiohead (premier album en quatre ans, second en six ans), il n’a manifestement aucune emprise sur la qualité de la production en question. In Rainbows, l’album le plus solide du groupe depuis Kid A, sinon même OK Computer, est dans la veine des grands albums de l’Histoire de la musique, ceux qui captivent et capturent l’auditeur imprudent mais consentant. Seul l’avenir nous dira s’il s’agit d’un nouveau classique qui survivra au test ultime, le passage du temps. Disons que le tout commence très bien.

J’ai particulièrement apprécié :

 Weird Fishes / Arpeggi

 Jigsaw Falling Into Place

 15 Step

Non, détrompez-vous, il ne s’agit pas de quatre homosexuels, mais bien de l’effervescente formation anglaise de l’heure ; Klaxons. Fondé à Londres en 2005, Klaxons est un savant mélange de indie, de rock, de new rave et de pop psychédélique. Après avoir vu leurs premières chansons se hisser au top des palmarès européens, le groupe décide de lancer leur premier album, Myths of the Near Future, en janvier 2007. Voici donc votre occasion de découvrir la révélation musicale des deux dernières années.

Honnêtement, en achetant Myths of the Near Future, je n’avais qu’une seule crainte : Me faire avoir en achetant le disque uniquement pour les deux ou trois succès. Grave erreur, je m’étais définitivement trompé. Dès la première écoute, je suis carrément tombé amoureux de ce charmant style typiquement anglais. C’est différent, c’est rafraîchissant et bon dieu que ça sonne bien ! C’est simple : Plus on écoute ; plus on apprécie ; plus on devient dépendant.

En fait, bien que mineur, il n’y a qu’un seul détail à négliger : La durée du disque. En tout et partout, on totalise environ 35 minutes d’écoute, pour les onze chansons du CD. Outre cette faiblesse, Myths of the Near Future est un succès incontournable à tous les niveaux. J’ai même élaboré ma propre thérapie personnelle : On débute doucement avec Golden Skans, on passe par Totem on the Timeline pour un petit boost d’énergie, puis on conclut le tout avec It’s Not Over Yet, un des plus grands succès de la formation. Tel est le remède le plus efficace pour contrer facilement un petit mal de vivre. Croyez moi, Klaxons saura vous remettre un sourire de pur bonheur dans le visage assez rapidement merci.

Vous avez envie d’essayer quelque chose de nouveau ? Vous êtes plutôt ouvert aux différents styles musicaux ? Vous aimez que personne ne connaisse le groupe que vous écoutez sur votre iPod, afin de passer pour quelqu’un de cultivé musicalement ? Klaxons est pour vous, n’hésitez plus.

Klaxons travaille actuellement sur leur deuxième disque, qui devrait sortir en 2008. Entre temps, sachez que Myths of the Near Future a reçu d’élogieuses critiques en Europe, et a remporté le National Mercury Prize. Ça ne me dit rien non plus, ne vous en faites pas… N’empêche que j’ai adoré leur disque, ai-je besoin de le répéter ?

D’entrée de jeu, Corneliu Montano, rescapé de la cuvée 2004 de Star Académie ne se donne aucune chance en nous offrant son album hommage. La présentation du produit (la pochette) est probablement la plus laide à avoir été faite au Québec depuis les deux premiers albums d’Éric Lapointe. Mais on peut concéder un doute pour une tentative d’humour ou un clin d’œil potentiel à l’univers de Mariano.

Trois ans après son album éponyme, qui avait été lancé dans la foulée de la fin des classes de l’Académie, Corneliu livre un album plus conceptuel. Le projet s’est concrétisé de lui-même avec le succès qu’a remporté la revue musicale Luis Mariano « Le coeur qui chante » lors de la période estivale 2007 présentée au Cabaret Telus de la Salle Rolland-Brunelle de Joliette. Bien que l’univers de ce disque ne colle absolument pas au goût du jour – félicitation pour l’audace – le jeune homme a le don de mettre ses vibrantes cordes vocales en valeur tout au long des quelque 38 minutes de l’album. C’est assez court. N’en demeure pas moins que 38 minutes de Luis Mariano, ça requiert une tolérance qui n’est pas donnée à tous.

Peut-être est-ce une question de goût (fort probablement), mais je crains que les chansons de Luis Mariano aient bien mal vieilli. On a pu revivre les grandes chansons de plusieurs grands artistes au cours des dernières années. Joe Dassin, par exemple, avait été admirablement remis en valeur avec un album sur lequel ses plus grands succès étaient interprétés par divers artistes. Luis Mariano aurait probablement eu un meilleur traitement avec la même formule. Corneliu Montano, sans rien enlever à son cran et à ses performances vocales, n’apporte rien de bien neuf aux succès que l’on connaissait déjà du ténor chanteur d’opérette. On y perd même le charme du son vieillot au passage qui, dans l’adversité, suffit à justifier la quétainerie.

Sinon, la chanson « Aïe, pourquoi on s’aime », interprétée en duo avec Meggie (l’amoureuse de Corneliu, issue de la même chaudronnée académique) rachète un peu l’ambiance en soufflant un regain d’entrain.

L’album aurait dû s’intituler : Corneliu Montano interprète Luis Mariano du mieux qu’il peut, mais ça ne suffit pas !

Quatre ans après le tome 6, François Pérusse rapplique avec son tome 7. Remarquez qu’un septième tome suit toujours un sixième, c’est une loi non écrite. En fait, elle est désormais écrite puisque je viens de le faire. Sous la thématique des jeux de cartes (la pochette, le nom des pistes et quelques sketches) l’album du tome qui précède le huitième livre une bonne fournée de nouveau matériel, avec 45 minutes de plus à télécharger sur Internet.

Pérusse avait déjà amorcé un changement de style avec le tome 6, tant sur le plan du rythme des textes (plus rapides), du répertoire de personnages (plus étendu) et du mixage en blocs (plus distincts). Le septième disque de la série conserve ce format somme toute assez efficace.

Les jeux de mots sont toujours aussi imprévisibles, même que certains sont perceptibles après quelques écoutes seulement. Il y a beaucoup plus de sacres (pourquoi pas), les personnages les plus connus ne s’essoufflent pas et la folie atteint toujours des sommets. Le seul affaiblissement se trouve du côté des chansons qui sont, pour la grande majorité, au moins deux fois moins bonnes que celles des tomes précédents. La pièce “Y’a don ben des”, véritable hymne aux Mongols, sort du lot malgré sa courte durée.

Pour le reste, quelques grands moments encouragent à réécouter cet album encore et encore. Entre autres, je note les parodies de publicités pour les problèmes de jeu et le gars qui capote sur son forfait téléphonique. Du fun à la pelle… Du phone à l’appel !