Dans le monde entier, tous ceux qui s’intéressent à l’art pictural portent un regard particulier, et souvent fasciné, sur les œuvres des maîtres italiens de la Renaissance. Á juste titre, eu égard au génie dont ont fait preuve nombre de peintres d’une péninsule petite par la surface mais immense par le talent de ses artistes. Il est pourtant une catégorie de peintres injustement méconnue du public : les femmes. Et parmi elles la talentueuse Lavinia Fontana…

Prospero Fontana (1512-1597) était non seulement un peintre maniériste réputé*, notamment pour la qualité de ses portraits, mais également le fondateur de l’Académie de peinture de Bologne lorsqu’en 1550 il fut présenté par Michel-Ange au pape Jules III qui en fit l’un des peintres officiels du palais pontifical. C’est donc dans le foyer d’un homme reconnu et débarrassé de tout souci matériel que naquit deux ans plus tard, le 24 août 1552, celle qui, dans le sillage de l’austère mais ô combien talentueuse Sofonisba Anguissola (1532-1625), allait devenir l’un des plus beaux fleurons de la peinture féminine de la Renaissance italienne, ouvrant la voie à la géniale et tourmentée Artemisia Gentileschi (1593-1653).

On ne sait pas grand-chose de l’éducation de la jeune Lavinia, si ce n’est qu’elle fut formée à l’art maniériste par son propre père et qu’elle bénéficia sans aucun doute d’une éducation bourgeoise de qualité comme en témoigne, dans son « Autoportrait à l’épinette avec une servante » sa maîtrise de l’instrument et la présence d’une servante dévouée.

Lorsqu’elle épousa en 1577, à l’âge de 25 ans, le peintre Gian Paolo Zappi, Lavinia était déjà une artiste confirmée comme le montre « Le Christ et les symboles de la Passion » (Museum of Art d’El Paso) exécuté l’année précédente après « L’enfant au singe » malheureusement perdu. Lavinia, dont le talent fut rapidement reconnu, réussit sans trop de difficulté à conquérir une clientèle de choix parmi les notables dont elle exécutait les portraits. Survint alors un fait étonnant pour l’époque : reconnaissant avec une louable humilité qu’il était manifestement moins doué que son épouse, Gian Paolo Zappi se mit à son service comme assistant peintre, probablement en charge des arrières-plans, et gestionnaire des comptes. Sans doute aussi comme assistant maternel car, en l’absence de contraception, Lavinia multipliait les grossesses : elle donnera naissance à onze enfants dont seuls trois survivront.

Malgré ces grossesses à répétition, Lavinia s’adonna à son art en explorant des styles, des formats et des sujets inattendus chez une femme du 16^e siècle : peinture sur cuivre, tryptiques, sujets profanes, mythologiques et religieux, tout ou presque fut l’objet de sa curiosité créatrice. Lavinia osa même s’affranchir des tabous pour exécuter des nus, tant féminins que masculins, ce qui ne manqua sans doute pas de faire jaser dans l’Italie du Cinquecento. Pas au point toutefois de couper Lavinia du Vatican où son père était introduit. Deux papes poseront d’ailleurs pour elle (Grégoire XIII et Clément VIII) et – fait là encore inédit dans l’Italie du 16^e siècle – lui passeront d’importantes commandes rémunérées à l’égal des commandes passées aux hommes. Parmi ces œuvres figurent notamment « L’apparition de Jésus à Marie-Madeleine » et « La Sainte famille ». L’œuvre religieuse majeure de Lavinia, un tryptique de plus de 6 m de longueur exécuté en 1601 à la demande de Clément VIII, disparut malheureusement dans l’incendie de l’église romaine de Saint-Paul-hors-les-murs ; ce tryptique mettait en scène « Le martyr de Saint Étienne ».

Cédant à la fascination de son temps pour la décapitation d’Holopherne, Lavinia peignit elle aussi Judith. Mais à la différence d’autres toiles de l’époque, et notamment des ultra-violentes représentations du supplice par sa tourmentée cadette Artemisia Gentileschi dans le sillage du Caravage, Lavinia se contenta de montrer Judith le glaive dans une main et la tête tranchée d’Holopherne dans l’autre, là où, quelques décennies plus tard, Artemisia se mettra en scène en justicière tranchant le cou de son violeur.

Une autre œuvre de Lavinia attire l’attention, moins par son exécution que par le sujet traité : il s’agit du spectaculaire portrait de l’infortunée Tognina Gonsalvus. Conservé au musée de Blois, cet étonnant tableau montre, en habit de cour, une jeune femme atteinte, comme son père Petrus*, d’hypertrichose (ou hirsutisme), une terrible anomalie génétique caractérisée par une anormale pilosité de tout ou partie du corps.

Au fil des ans, Lavinia Fontana réussit à hisser son art au niveau des meilleurs, et sa réputation franchit les frontières. Á tel point qu’en 1589, le roi Philippe II d’Espagne lui commanda un portrait de la famille royale. Appelée à Rome en 1603 par le pape Clément VIII, Lavinia, reconnue comme l’un des artistes majeurs de son époque, fut la première femme admise au sein de la prestigieuse Accademia di San Luca (1611). Elle mourut à Rome le 11 août 1614.

135 œuvres encore existantes de nos jours sont attribuées à Lavinia Fontana, mais seules 35 –dont 32 datées et signées – le sont de manière indiscutable. Parmi ces œuvres, trois toiles attribuées à tort à Guido Reni (1575-1642) dont « La visite de la reine de Saba à Salomon » (Dublin : National Gallery of Ireland). Profanes, mythologiques ou religieuses, toutes les œuvres de la Bolognaise sont d’excellente facture et notamment remarquables par la finesse de reproduction des broderies, des dentelles et des bijoux dont elle aimait parer ses modèles. Les experts affirment que Lavinia Fontana fut influencée par Sofonisba Anguissola. C’est possible, et même probable. Mais une chose est sûre : elle influença, à son tour, nombre de ses cadets et cadettes en peinture tant fut grande la qualité de sa production.

* Prospero Lavinia participa également à la superbe décoration du Palazzo Vecchio de Florence au côté de Giorgio Vasari.

** « Homme-singe » comme on disait alors, Petrus Gonsalvus, originaire de Ténériffe, avait été ramené des Pays-Bas pour… distraire la cour d’Henri II au château de Fontainebleau. Le pauvre homme bénéficia en échange d’une éducation de qualité qu’il put transmettre à ses quatre enfants, malheureusement tous atteints, à des degrés divers, du même mal.

Lien vidéo :

Le superbe « Lamento della Ninfa » de Claudio Monteverdi, illustré par des œuvres de Lavinia Fontana dont le compositeur fut le contemporain.

Liens sur mes précédents articles consacrés aux femmes-peintre méconnues :

Sofonisba Anguissola

Artemisia Gentileschi

Adélaïde Labille-Guiard

Marie-Gabrielle Capet

]]> http://www.centpapiers.com/injustement-oubliee-lavinia-fontana/62191/feed 0 http://www.centpapiers.com/sofonisba-anguissola-pionniere-de-la-peinture-italienne/54554 http://www.centpapiers.com/sofonisba-anguissola-pionniere-de-la-peinture-italienne/54554#comments Thu, 30 Dec 2010 12:17:31 +0000 Fergus http://www.centpapiers.com/?p=54554 Tous les amateurs d’art connaissent la ville de Crémone grâce au génial compositeur Monteverdi et surtout aux fabuleux luthiers dont les noms résonnent comme autant d’accords parfaits : Amati, Stradivarius ou Guarnerius. Peu nombreux sont en revanche ceux à qui le nom des sœurs Anguissola est familier. Au nombre de six, ces demoiselles étudièrent toutes la peinture dans la superbe cité lombarde. Mais seul le nom de l’aînée est passé à la postérité. L’histoire remonte au 16^e siècle. Nous sommes à Crémone, probablement en 1532. Amilcare Anguissola est sénateur. Il voue une admiration sans borne au célèbre général Hannibal Barca…    

Pas de chance : c’est à une fille que donne le jour son épouse Bianca Ponzone, issue comme Amilcare d’une famille noble. Nanti d’un petit robinet, l’enfant eut aussitôt reçu le prénom du Carthaginois. Privé de cet appendice, le bébé hérite de celui de Sofonisba, prénom de la fille aînée… d’Hannibal !

Cinq autres demoiselles suivront (Elena, Lucia, Europa, Minerva et Anna Maria) avant qu’un garçon pointe enfin son nez dans les couches de sa mère. Né au septième rang, il n’est toutefois plus question de lui donner l’illustre prénom. Qu’à cela ne tienne, ce sera Asdrubale en hommage à un autre général carthaginois, le frère… d’Hannibal ! Une tradition décidément bien ancrée dans la famille : Amilcare Anguissola porte lui-même le prénom du père… d’Hannibal !

Comme il sied à des jeunes filles de la noblesse, le sénateur Anguissola tient à donner une éducation de qualité à ses enfants, notamment dans le domaine des beaux-arts, si prisé durant cette formidable Renaissance italienne. L’une après l’autre, les six filles prennent les pinceaux. Des outils dont se détournera Astrubale, plus attiré par la musique et peut-être désireux de se démarquer de ses sœurs*.

Manifestement douée pour l’art pictural, Sofonisba est confiée en 1546 au peintre maniériste Bernardino Campi avec sa sœur Elena avant de devenir seule – Elena est entrée au couvent –, l’élève du peintre Bernardino Gatti en 1553. Elle reste trois ans avec ce dernier puis part à Rome où elle rencontre Michel-Ange dont elle reçoit les conseils et les encouragements.

Sofonisba à la Cour d’Espagne

Après Rome, c’est à Milan que l’on retrouve Sofonisba. L’interdiction faite aux femmes d’étudier l’anatomie – un interdit que lèvera la rebelle Artemisia Gentileschi un demi-siècle plus tard – limite la Crémonaise au portrait statique. Et sa condition l’empêche de faire de la peinture un métier à part entière. C’est donc une dilettante éclairée qui réalise dans la capitale lombarde le portrait du duc d’Albe.

Un portrait dont le duc se montre très satisfait. Au point qu’il recommande Sofonisba au roi d’Espagne Philippe II qui cherche un professeur de peinture pour sa nouvelle épouse, Elisabeth de Valois. C’est ainsi qu’en 1559 Sofonisba part pour Madrid où elle devient peintre de cour et dame de compagnie d’une très jeune reine de… 14 ans.

1570. Onze ans se sont écoulés à la cour d’Espagne durant lesquels Sofonisba a enseigné l’art de la peinture à la reine et réalisé de nombreux portraits de nobles espagnols. Mais à 38 ans, les choses ont évolué : la reine est morte en couches deux ans plus tôt et il est temps pour Sofonisba d’envisager un mariage. Généreusement dotée par Philippe II, elle épouse Fabrizio Moncada, fils du prince de Paterno et vice-roi de Sicile.

Une Sicile où le couple part s’installer, avec l’accord du roi, en 1578. Un an plus tard, Sofonisba, devenue prématurément veuve, réembarque pour le continent. Son voyage, étalé dans le temps, la conduit à Livourne puis à Pise où, contre l’avis de sa famille, elle épouse en 1580 un capitaine de galère génois, Orazio Lomellini, rencontré sur le bateau du retour.

Installée désormais à Gênes dans la grande maison de son nouveau mari, Sofonisba poursuit sa carrière de peintre sans trop de soucis financiers grâce à une rente que lui a faite Philippe II. Entretemps, sa réputation s’est largement étendue dans les milieux artistiques au point que Sofonisba reçoit nombre de jeunes artistes venus – y compris de la lointaine Flandre – lui demander des conseils et parfois une aide financière. Le temps passant, Sofonisba se fait en effet mécène pour aider de jeunes artistes méritants avec d’autant plus de générosité que ses propres capacités visuelles s’amenuisent.

La partie d’échecs

En 1620, Sofonisba réalise son dernier autoportrait. Ayant définitivement renoncé à peindre, elle quitte son atelier génois et retourne en Sicile après avoir reçu et conseillé en 1623 le jeune prodige flamand Antoon Van Dyck.

Sofonisba Anguissola décède à Palerme en novembre 1625, à l’âge de… 93 ans ! Fait unique dans les annales de la peinture du 16^e siècle, elle a réussi à faire carrière dans ce milieu fermé et misogyne alors qu’elle n’était pas issue d’un milieu artistique. D’autres femmes de la Renaissance, de Lavinia Fontana à Artemisia Gentlileschi en passant par Barbara Longhi ou Fede Galizia, ont légué à leur nom à la postérité, mais toutes étaient nées dans des familles d’artistes reconnus. Sofonisba ne doit donc sa réussite qu’à ses propres qualités et à son opiniâtreté. À moins qu’elle n’ait bénéficié de la protection céleste… d’Hannibal ?

Pour illustrer cet article, j’ai choisi l’un des tableaux les plus célèbres et sans doute le plus surprenant de Sofonisba Anguissola. Intitulé La partie d’échec, ce tableau (conservé au musée Narodowe de Poznan) met en scène une femme (probablement une servante) et trois des sœurs de l’artiste. L’étonnant ne réside évidemment pas dans cette partie d’échecs assez banale, mais dans les regards des sujets : tandis que la servante à les yeux braqués sur l’échiquier, Minerva regarde Europa qui regarde Lucia qui regarde… le personnage invisible sur la toile, autrement dit le peintre, sa sœur Sofonisba !

Une cinquantaine de toiles de l’aînée des Anguissola ont été authentifiées avec certitude. La plupart sont conservées dans les musées italiens (notamment à Crémone et aux Offices de Florence) ainsi qu’à Madrid (musée du Prado).    

* Curieusement, on retrouvera un clivage de même nature des siècles plus tard dans la famille Brontë : Charlotte, Emily et Anne seront toutes romancières, tandis que leur frère Branwell choisira la peinture !

Web Gallery of Art : œuvres de Sofonisba Anguissola

Dossier Raymond Viger Dossier Culture.

Le 30 octobre dernier, à Paris, Benoît Aquin a reçu son prix des mains de l’ancien secrétaire général de l’ONU, Kofi Annan.

Les photos de Benoît Aquin présentaient la désertification en Chine. Les textes accompagnant les photos sont signés par Patrick Alleyn.

Patrick Alleyn avant son départ pour l’Asie était journaliste plein temps pour Reflet de Société. Benoît Aquin et Patrick Alleyn sont partis ensemble pour l’Asie, un voyage qui n’est toujours pas terminé.

Les premiers articles de Patrick Alleyn provenant de l’Asie et publié dans Reflet de Société étaient accompagnés des photos de Benoît Aquin et avaient déjà été récompensées au Prix Lux photo.

Les détails du prix Pictet reçu par Benoît Aquin.

L’équipe de Reflet de Société est fière du travail réalisé par Benoît Aquin et Patrick Alleyn et de la reconnaissance internationale qu’ils se méritent. Félicitations à vous deux pour votre magnifique travail.

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Benoît Aquin remporte le plus prestigieux prix de photographie, le prix Pictet

Depuis 15 ans que Martin Dubé sillonne le monde pour faire rire et pleurer, pour surprendre et déstabiliser par son registre vocal étonnant de 5 octaves. Il a fréquenté le Moulin rouge de Paris 67 fois, animé le gala hors d’ondes des Oscars en 2003, fait sa première apparition télévisuelle en sol américain au téléthon de Jerry Lewis et visité plus de 30 pays sur 4 continents et donné plus de 150 spectacles par année depuis 10 ans.

Pourtant, il est inconnu du grand public québécois. Étonnant, n’est-ce pas ? Les choses semblent pourtant sur le point de débloquer. C’est le constat auquel le public présent à la salle André-Mathieu de Laval en est arrivé mercredi dernier lors de l’avant-première de son tout nouveau spectacle, Par la voix des airs.

Un titre qui colle parfaitement au parcours professionnel de cet homme de 34 ans. Montréalais de naissance ayant abondamment voyagé de par le monde, Martin nous fait découvrir sa personnalité généreuse, ouverte sur le monde, vierge et cosmopolite.

En effet, les quelque 800 spectateurs massés dans l’enceinte du Collège Montmorency ont eu droit à un véritable tourbillon de talent et d’acrobaties vocales : des sketchs, des personnages et des imitations chantées, tout cela dans un décor minimaliste rehaussé par un jeu de lumières parfaitement adapté aux différentes textures et couleurs qui jalonnent les deux heures que dure le spectacle.

En français, en anglais et en italien, ce fantaisiste des temps modernes chante également en espagnol pour le public sud-américain. Il peut successivement imiter des personnalités québécoises telles Michel Bergeron, Stéphane Ouellet, Gilles Tremblay et Régis Lévesque dans un numéro hilarant de 110%, le tout animé par le vrai Jean Pagé (pré-enregistré), pour ensuite faire dans le tragique et chanter de l’opéra avec toute la technique, la puissance et la profondeur requises.

C’est exactement là où se situe la principale qualité de ce “divertimentor” de classe mondiale : le contraste, la polyvalence et l’absence de créneau rigide et limitatif. Il surprend certes par ses qualités vocales, mais également par sa capacité à surprendre par des changements de ton rapides, une présence scénique redoutable d’aisance et d’efficacité que les années d’expérience ont réussi à peaufiner.

Mis en scène par l’ex-RBO Bruno Landry, Par la voix des airs est un spectacle magnifiquement mis en musique par le magicien André Leclair, un homme dont la sensibilité est palpable à travers tous les arrangements. Un signe important que quelque chose d’important se trame dans le paysage artistique québécois est la présence dans l’équipe de production du groupe Gillett.

La tournée doit démarrer au printemps 2009 pour s’arrêter à Montréal pour la rentrée d’automne de la même année. À ne pas manquer !

Télécharger, acheter. Deux concepts qui quand on parle aujourd’hui d’art, de musique en particulier, sont bien souvent mis en opposition l’un à l’autre.
La réalité est là : de moins en moins de gens achètent de disques. A qui la faute ? On pointe du doigt les pirates dont les téléchargements illégaux sont à la source de tous les maux. Maisons de disques, artistes et fervents mélomanes condamnent l’acte de téléchargement, chacun avec leurs raisons. L’évident manque à gagner pour les deux premiers, et pour les autres, l’angoisse de voir disparaître les artistes que l’on affectionne. Angoisse qui pourrait finir par se concrétiser … mais pas nécessairement pour tous, explications.

Pourquoi ces dits artistes pourraient venir à quitter la scène pour de bon ? Tout simplement parce que dans l’aspect « transaction commerciale » de leur musique, ce sont eux qui, financièrement, gagnent le moins. Les maisons de disque prennent des marges énormes et sur l’ensemble du produit, ce sont elles qui remportent le gros lot. Cela se ressent notamment au niveau des prix lors d’un achat de cd : trouver un disque neuf à moins de 20 euros à sa sortie tiens bien souvent du miracle. Les consommateurs, sont d’un côté, les générations nées avec internet, aux yeux de qui la gratuité de la musique est légitime et donc pour qui la questionne de télécharger ou non ne se pose même pas. D’un autre côté, il y a ceux qui sont parfaitement conscients de l’abus que constituent leurs téléchargements mais persistent à le faire, car quand bien même ils auraient les moyens d’acheter tout ce qu’ils « volent » ils continueraient à le faire. Enfin, dans la tête du consommateur lambda, entre s’offrir gratuitement l’album sur internet (illégalement cependant) même s’il n’y tiens pas tant que ça, l’écouter gratuitement sur Deezer, ou bien débourser 20 euros (ce qui est il faut l’admettre beaucoup sur l’ensemble d’un budget « divertissement », notamment pour ceux n’ayant pas de encore de revenus réguliers), le choix semble facile. Surtout à partir du moment où il tient compte de ses besoins « vitaux », autrement plus urgents.

Ces trois catégories de consommateurs justifient en partie pourquoi on peut aujourd’hui s’inquiéter de l’avenir des artistes pour qui les pertes sont non négligeables. Encore que les musiciens signés sur des majors de l’industrie du disque peuvent arriver à survivre. Mais ceux qui subissent le plus douloureusement les conséquences de cette « dématérialisation » de la consommation musicale, ce sont bien les artistes indépendants. Autrement dit, ceux qui n’ont pas le renfort d’un puissant label derrière eux, ne disposent pas d’énormes outils de promotion. Ceux qui n’ont pas droit au même matraquage radio et par conséquent ont un niveau d’exposition médiatique réduit comparé aux autres. Ceux là qui sont souvent contraints d’adopter un emploi « à côté » de celui d’artiste, car ce qu’ils gagnent par ce biais ne leur permet pas d’en vivre.

Le revers de leur indépendance se ressent donc lourdement aujourd’hui qu’une immense majorité de consommateurs choisissent la facilité. Le public, surtout les plus jeunes, s’est habitué à la musique numérisée, mais là n’est pas le problème, c’est plutôt qu’il veut de la musique gratuite. Ce public n’a malheureusement souvent qu’une vague conception des conséquences que cela impliquerait. Ou même si elle est consciente du danger, se dit « qu’un de plus ça ne fera pas de mal ». Mais à force de gagner de moins en moins, si cette mentalité qui veut que toute la musique soit « offerte » progresse, les artistes, les indépendants en premier lieu, finissent par être contraints d’abandonner leur profession.

Voilà, où nous en sommes. Un point où à l’exception des amoureux de la musique, peu nombreux sont ceux qui font encore la démarche de se rendre chez un disquaire. On préfère empiler cet art comme un tas dans son disque dur, en le volant qui plus es, parfois-même sans jamais l’écouter. Ce constat, on pourrait aussi bientôt l’élargir vers le cinéma ou la bande dessinée. Nous nous orientons vers un système où la gratuité de l’art semble s’imposer de manière logique parce que cela tend à s’insérer dans les mœurs, mais aussi, parce que l’art, en prenant le cas de la musique, prend un coût de plus en plus élevé. Ce que beaucoup ne peuvent avoir, ils choisissent de le prendre. Qu’advient-il alors de ceux qui créent ? Que faire pour qu’ils puissent continuer à exercer, qu’ils puissent en vivre, sans ruiner leur public ? En définitive, si eux venaient à disparaître, nous serions tous perdants.

Ah la Culture ! Un autre mot difficile à définir. Il semble d’ailleurs exister autant de perceptions et d’interprétations de la culture qu’il y a de pays, d’écoles de pensée et d’époques. C’est tout dire !

Au plan individuel, on peut dire que la culture se résume à l’ensemble des connaissances acquises, l’instruction, le savoir d’un être humain alors qu’au plan collectif, elle représente davantage l’ensemble des structures sociales, religieuses, et les comportements collectifs tels que les manifestations intellectuelles, artistiques, et autres qui caractérisent une société.

Pour certains, la culture c’est ce que l’homme ajoute ou a ajouté à la Nature ; pour d’autres, c’est ce que l’homme a produit et a enseigné. A l’Unesco, on vous expliquera sur le sujet que tout est question de diversité culturelle : reflet du respect des droits fondamentaux. Et ce n’est pas tout…

Les philosophes, quant à eux, précisent que la culture est l’ensemble des traits distinctifs spirituels et matériels, intellectuels et affectifs qui caractérisent une société ou un groupe social. Que la culture englobe, outre les arts et les lettres, les façons de vivre ensemble, les systèmes de valeur, les traditions et les croyances.

En plus de la culture dite ‘savante’, coexistent la culture populaire et la culture de masse. Trop souvent confondues et pourtant différentes quand on se rappelle que les festivals de rue et de village, les bals populaires, les carnavals, les festivals d’été, constituent de purs exemples de culture populaire, tandis que les festivals de films internationaux, les rencontres musicales comme le Festival du Jazz et le Festival de la Chanson (Granby), les grands spectacles et événements sportifs médiatisés relèvent de la culture de masse. Et je n’entre même pas ici dans l’univers des sous-cultures, sujet qui, à lui seul, nécessiterait plus qu’une simple chronique !

Du côté de Saint-Wikipédia, on avance l’idée que « la culture populaire, c’est la culture du peuple, par opposition à une culture élitiste qui ne toucherait qu’une partie aisée et instruite de la population »… « que la culture populaire se veut accessible à tous et demeure compréhensible et appréciable à plusieurs niveaux, sans exiger nécessairement de connaissances culturelles approfondies au préalable. » Je pense ici au phénomène Internet qui nous ouvre tout grand la fenêtre du Monde et fait entrer le souffle d’Ailleurs.

Au fait, saviez-vous qu’à Trois-Rivières se trouve le Musée de l’art québécois populaire ? Sur le site Internet du musée, on peut lire qu’il s’est donné pour mandat de « …travailler au rayonnement et à la promotion de la richesse patrimoniale ainsi qu’au développement et à la défense des intérêts de ses membres. » Un but louable, mais avec tout ce qui se brasse ces temps-ci du côté des arts, de la culture et du patrimoine…ils doivent un peu trembler…

Les antiquaires ont le vent en poupe pour la décoration de la maison

À tous les passionnés de meubles patinés, de bibelots poussiéreux et autres cuivres de décoration de maison ancienne, bonne nouvelle : la nouvelle tendance déco est au vieilli, au passé et au démodé, en un mot : à la brocante.
Il y a quelques jours, les puces de Saint Ouen organisaient un grand week-end de trois jours de chine et de fête, les « Puces en Fête ». Pour beaucoup, une occasion de découvrir ou de redécouvrir les ruelles les plus kitsch de Paris, et de s’essayer au marchandage… Puis ce sont les arcades du Parc de Princes qui ont accueilli plus de 400 antiquaires, collectionneurs et « videurs de greniers » les 11 et 12 octobre dernier. Une tendance déco « à l’ancienne » qui semble attirer de plus en plus de citadins…

Décoration de la maison : les raisons d’un tel engouement pour les stands d’antiquaires

Depuis quelques temps, l’on observe un véritable regain d’intérêt pour tout ce qui est matériaux naturels, biologiques ou éthiques. Il est donc logique que la décoration de la maison recyclée soit, elle aussi, de plus en plus appréciée. Mais d’autres facteurs entrent en compte, tel qu’un audimat exceptionnel pour certaines émissions de décoration ainsi qu’une affection toute particulière pour ses présentatrices… En effet, la désormais célèbre Valérie Damidot (de l’émission D&Co sur M6) peut aujourd’hui se vanter d’avoir remis les objets dits de « récup’ » au goût du jour… Et d’avoir ainsi permis aux antiquaires de se sortir d’une situation devenue plus qu’inconfortable depuis plusieurs années.

Le style « Shabby » ou la clef du succès des antiquaires pour la décoration de la maison

Le style « Shabby » (encore peu connu en France sous cette appellation) nous arrive tout droit de nos voisins anglo-saxons. Le concept est simple : il s’agit d’aménager des intérieurs très clairs, rehaussés de meubles anciens ou délibérément vieillis pour recréer le cachet des belles maisons d’antan… Les français auraient donc eux aussi envie de retrouver une décoration de la maison authentique et élégante, sans pour autant se ruiner… Et ce, pour le plus grand bonheur des antiquaires !! Et si aux Etats-Unis, le Shabby se fait plutôt romantique et girly, avec beaucoup de rose, de petites fleurs et de dentelle, en France, ce dernier reste très « hexagonal ». Il se veut ainsi plus sobre et penche plutôt vers le gris des ambiances gustaviennes, et le rouge, avec de la toile de Jouy à foison.

J’ai lancé un défi à mes concitoyens blogueurs de Québec : écrire un billet-bilan sur le 400e de Québec le 31 décembre prochain (400 ans – 400 blogues). Déjà, 30 d’entre elles et eux ont répondu oui. Bon. Il n’en manque que 370.

Si je vous parle de ce projet, c’est parce qu’il m’aura permis de réaliser à quel point nous connaissons mal les blogues de notre ville ou de notre région. Faites l’exercice. Combien de blogues pouvez-vous nommer qui sont publiés par quelqu’un vivant dans votre coin de pays ?

Qu’à cela ne tienne. N’écoutant que mon courage, ou ma douce folie, j’ai démarré un blogue qui ne publie que des extraits de blogues de la région de Québec : La Capitale blogue.

Pour ceux que l’aspect technique de la chose intéresse, la procédure pour suivre plusieurs blogues est simple : d’abord, les repérer (ce qui n’est pas une mince tâche, les blogueurs ne dévoilant pas toujours l’endroit d’où ils bloguent, ni même leur nom pour plusieurs), ensuite utiliser un site ou un outil pour recevoir automatiquement leurs nouveaux billets (dans mon cas Google Reader, mais il y en a d’autres), publier des extraits enfin en simplifiant à l’extrême leur cueillette.

D’ici quelques mois, je compte bien migrer tout cela dans un site sous Drupal (qui fera tout le travail tout seul comme un grand), mais pour le moment je suis sur wordpress.com qui offre un signaplet (terme de l’Office de la langue française pour bookmarklet) automatisant le copié/publié. Un vrai charme.

Au-delà de la technique, le temps (somme toute peu élevé) que je mets à lire et publier les billets provenant de ma région est très enrichissant.

Je n’aurais jamais découvert plusieurs excellentes et excellents blogueurs sinon.

Vous voulez des noms. Je ne voudrais surtout pas me risquer à vous dire quels sont mes préférés. Je vais, du reste, sûrement trouver une formule permettant aux lecteurs de décider par eux-mêmes.

Ce ne sera pas sur wordpress.com en tout cas. Malgré les avantages en ce qui concerne la visibilité, j’ai vite réalisé à quel point j’étais dans une camisole de force pour ce que je voulais y faire.

Stephen Harper ne coupe pas dans la culture pour des raisons financières. Cela devient évident lorsqu’on songe que chaque dollar investi dans la culture en rapporte 11 et que M. Harper trouve toujours des milliards à injecter dans les domaines qui comptent le plus pour lui comme l’armée ou les pétrolières. Si ne n’est pas pour des raisons économiques que ces coupures sont pratiquées, c’est pour des raisons bassement idéologiques.

M. Harper aime avoir le contrôle. Le contrôle des membres de son équipe, de ses ministres, des médias. La culture, elle, est plus difficile à contrôler. Traditionnellement, elle n’obéit à aucune règle. La culture ouvre l’esprit, fait découvrir d’autres points de vue, d’autres façons de voir les choses. Elle nous sort de notre zone de confort. Parfois, elle nous bouscule, nous choque. Elle nourrit notre esprit et nous donne l’opportunité de nous abreuver à plusieurs sources.

Les artistes sont le plus souvent des gens qui ne veulent pas être contrôlé-es. Ce sont des esprits libres, des libres penseurs, des indociles. Ce n’est pas pour rien que les artistes sont, avec les intellectuel-les, les premiers à être persécutés dans les pays totalitaires. La liberté que les artistes se donnent fait peur au pouvoir.

Les gouvernements de droite, totalitaires ou nom, ne supportent aucune concurrence. Ils veulent être les seuls à décider de ce qui influencera notre esprit. La culture muselée, ça laisse plus de place à la propagande. Un projet de loi comme le C-10 (retiré depuis par monsieur Harper), s’inscrivait dans la volonté de M. Harper de rendre le financement d’un film conditionnel au fait de ne pas trop indisposer sa royale personne. Vous connaissez le dicton : on ne mord pas la main qui nous nourrit…

Le plus grand fantasme d’un gouvernement de droite, c’est un peuple où personne ne se pose de question, où personne n’a de doute. Un peuple uniforme, sans aspérités, sans passions, sans couleurs, où tout le monde pense pareils. Un peuple éteint. Un tel peuple est plus facile à endormir. Et à contrôler.

Nous sommes devenus paresseux-euses. Nous voulons seulement nous divertir en faisant le moins d’effort mental possible. Cependant, en faisant ce choix, nous renonçons à une partie de notre liberté. Nous devenons passifs-ves.

Pourtant, de tout temps, les sociétés n’ont pu évoluer que lorsque des hommes et des femmes, ont décidé de nager à contre-courant, de protester ou de critiquer. Ces personnes ont pris le risque de penser différemment, quitte à susciter l’incompréhension, la dérision ou le ressentiment.

Un autre dicton dit : « Qui veut noyer son chien l’accuse de rage ». On veut actuellement tenter de noyer la culture en prétextant qu’elle est onéreuse et inutile. On n’aime pas les chiens enragés. Les toutous, on les aime dociles…

Moi, lorsque je regarde la culture, je vois une forêt. Stephen Harper, lui, veut nous ne voyons que des graines insignifiantes…

Après la populaire vidéo « Culture en péril« , voici qu’un collectif d’artistes s’impose dans la campagne électorale fédérale afin de contrer l’élection de Stephen Harper par l’entremise du site Web Unissonsnosvoix.ca.

Plus d’une cinquantaine de personnalités ont livré leur réflexion devant la caméra, sous la direction d’Anaïs Barbeau-Lavalette, d’Émile Proulx-Cloutier, et de Mélanie Charbonneau. Une impressionnante équipe de cameramans, monteurs, preneurs de sons, etc. est aussi derrière l’exercice.

Unissons nos voix se dit non-partisan :

« UNISSONSNOSVOIX.ca n’a été commandé ou financé par aucun parti politique et surtout, il ne fait la promotion d’aucun parti politique. Il s’agit d’une initiative citoyenne, bénévole et 100% indépendante. Chaque participant est libre et responsable de son propos et ne cautionne pas nécessairement les autres propos tenus sur ce site. Voilà le cœur de notre intention : il est simple de mettre de côté nos divergences quand vient le temps de faire front commun et d’unir nos voix. UNISSONSNOSVOIX.ca est un site en constante évolution. »

Les responsables du site invitent aussi tous un chacun à participer en envoyant leurs vidéos, soit par courriel, soit en répondant sur le profil Youtube du collectif.

Interrogé par Nathalie Petrowski de La Presse, Émile Proulx-Cloutier explique ce qui est à l’origine de cette initiative :

« Je me suis mis à interroger mon entourage et à me rendre compte que tout le monde était contre un gouvernement Harper, mais comme ils étaient tous isolés chacun chez soi, ils se sentaient impuissants à y changer quoi que ce soit. »

Certains, comme Patrick Tanguay, ont certaines réserves sur les choix technologiques derrière la plateforme, bâtie entièrement en Flash. L’accessibilité et l’indexation dans les moteurs de recherche serait déficiente :

 Le site est tout en Flash, pas fort pour se faire trouver mais, plus important, pas très accessible. Beau message populiste et unificateur dans les vidéos, inaccessibles pour plusieurs…

 Interface plus ou moins inutilisable, ça “scroll” beaucoup trop vite, m’semble que ça aurait pu être fait plus facile non ? Les “vidéos à venir” auraient aussi pu être plus faciles à repérer.

Il reste à voir si cette autre attaque des artistes contre les Conservateurs fera mouche. Le Premier-Ministre Stephen Harper avait semé la controverse en annonçant des coupures de 45 millions en culture.