Salut l’Artiste ! Déjà trois ans que tu es parti, toi Monsieur Fred Chichin, le fondateur de l’âme musicale des Rita Mitsouko. C’est ce Mercredi 28 Novembre 2007 à 16h30, il y a trois ans jour pour jour, que Fred Chichin faisait ses adieux à Catherine Ringer et à la planète terre en laissant derrière lui une symphonie musicale qui survivra encore longtemps : La légende des Rita Mitsouko, portrait d’un Artiste hors norme…

Inventeur d’un son rock novateur agrémenté d’une électronique minimaliste produisant une couleur musicale déglinguée, Fred Chichin ne pouvait pas faire autrement que de rencontrer, en 1979, son alter ego Catherine Ringer. Le couple de marginaux déjantés couvert d’anoraks fluo et de sacs en plastique, finiront par décoller en équilibre dans l’univers rock sans jamais s’engouffrer dans « la varié’te… ». Un pari réussi pour Fred né le 1er Mai 1954 et Catherine née le 18 Octobre 1957, et un parcours sans faute pour ces gestionnaires du temps et d’un nouveau genre musical.

Entre l’univers underground rock seventies et la fac de Vincennes, une alchimie a dû se produire quelque part… Si Fred fait des expériences musicales psychédéliques, Catherine prends la route aux côtés d’une troupe de théâtre et rencontre Marcia Moretto, une professeur de danse argentine, accompagné d’un univers qui l’entrainera très loin dans certains espaces aux ‘tournages’ artistiques parallèles à d’autres vibrations sonores… Et c’est précisément à la mort de ‘Marcia’ que les Rita prennent leur envol : « Marcia Baila » deviendra le fondement incontournable du phénomène Rita. C’est le single classique et emblématique des années 80. L’actrice « Rita Hayworth » et l’univers de la musique sud-américaine, ainsi le parfum de Gerlain « Mitsouko », seront l’inspiration pour un nom de groupe : « Les (Catherine et Fred) Rita Mitsouko » agrémenté peut-être également d’un « secret (Mitsu » d’artistes »… comme de décès de Fred Chichin, qui a peut-être eu lieu (au matin) du 28 Novembre 2007…. et non à 16h30… qui sait…

Chez les Rita, les disques s’enchaineront durant des années sur un rock agrémenté de punk, de new wave et jazz et de hip hop : « Rita Mitsouko – 5 titres en plus », « The No Comprendo », « Marc & Robert », « Variéty », etc… On retiendra toujours une étrange complicité entre Fred Chichin et Catherine Ringer, le grand musicien concentré sur sa création musicale avait laissé beaucoup de place à la chanteuse et comédienne (également danseuse) extravertie. A la fin de l’année 2007, Fred n’a pas pu suivre Catherine sur la scène de l’Olympia, et une partie de la tournée a été annulée, mais l’aventure continuera sans Fred jusqu’en 2008. Toujours en retrait par rapports aux gestuelles scéniques de sa partenaire, Fred Chinchin est resté néanmoins la pièce maitresse de l’oeuvre musicale écrite des Rita Mitsouko. Il y a trois an jour pour jour, « une grosse pointure » nous a quitté pour l’au-delà, mais son talent est toujours dans les bacs. Aujourd’hui, si nous regardons cette fabuleuse oeuvre discographique, nous ne pouvons dire qu’une seule chose : Salut l’Artiste…

(Photo : Dans une loge en Allemagne Jean Croissant avec les Rita Mitsouko, Festival Hurricane South Side 22.06 -24.06 2007).

En 1956, Georges Brassens donne à son 6ème album le titre de pornographe, reprenant un titre de livre de Rétif de la Bretonne consacré à la prostitution. Par cette chanson, Brassens se définit enfin : il sera le « pornographe du phonographe, le polisson de la chanson » !

Il est peu de textes où Brassens parle de lui directement. Ainsi, on recense, en plus de « Le pornographe » les titres suivants : « Les trompettes de la renommée », Le bulletin de santé où il rassure les curieux « je baise, je baise »… et « L’andropause » qui fait partie des toutes dernières chansons de Brassens qu’il n’aura d’ailleurs pas le temps d’enregistrer. Mais ne nous y trompons pas, s’il parle avec beaucoup de tapage de sa sexualité, il tait sa vie privée et son amour intime.

Un polisson qui cache sa vie privée

Jeha Heiman en 1947

Son amour intime, il est unique, il est pour Puchen, ce qui signifie « poupée » en allemand (il lui dédie d’ailleurs « Je me suis fait tout petit »… devant une poupée). Il a rencontré en 1947 cette Joha Heiman (qui sera  enterrée avec lui, 18 ans après sa mort). Mais ils ne se marieront jamais (Georges lui écrit « La Non-demande en mariage »). Il ne vivront jamais sous le même toit non plus. Les chansons inspirées par sa muse (par exemple, « J’ai rendez-vous avec vous« ) sont bien plus sages que celles qu’il écrit sous sa plume de « polisson de la chanson ». La plus osée est sans doute « Rien à jeter »

La parodie licencieuse

L’une des façons de faire dans le grivois est de parodier une chanson déjà faite.  Brassens a mis en musique le poème « Carcassonne » de Gustave Nadeau et il en fait « Carcassonne » puis il trousse deux chansons grivoises sur la même musique et en modifiant à peine les paroles : « Le nombril des agents de police« , « La chaude pisse » interprétée ici par Maxime Le Forestier.

Le thème des cocus

Ce thème donne l’occasion de chansons très drôles comme « A l’ombre des maris » ou « La traîtresse ». Mais aussi « Le cocu », « L’assassinat », « Lèche cocu ».

Le thèmes des putains

Georges Brassens s’empare de ce sujet au point d’approcher quelquefois même le sujet de la pédophilie avec « La princesse et le croque-nottes » et « Concurrence déloyale ».  La chanson « La complainte des filles de joie » a été écrite à la demande du collectif des prostituées de Paris qui, le 16 juin 1976, adresse à Georges Brassens la lettre suivante : « Cher Georges Brassens, Nous les Putains vous disons merci pour vos si belles chansons qui nous aident à vivre. Malheureusement nous n’avons eu votre adresse que très tard. Voici une invitation. Nous vous embrassons toutes. Vos Copines du Collectif de tout cœur avec vous toujours. » Enfin, Embrasse-les tous « de Pierre à Paul, en passant par Jules et Félicien », utilise le procédé de l’énumération dont Brassens saura tirer profit. « La nymphomane » évoque ces salopes qu’il ne faut pas confondre avec les catins. Putain de toi est inspirée des amours de jeunesse de Brassens.

Le procédé de l’énumération comparative.

On la trouve notamment dans « Fernande » qui passe en revue les prénoms de la gent féminine dont un seul produit l’effet désiré, et dans « La femme d’Hector » où ce sont les noms des épouses qui sont passés en revue sans jamais égaler la femme d’Hector.

La pointe de misogynie :

Brassens reprend, dans « Misogynie à part » une citation de Paul Valery : « Il y a trois sortes de femmes: les emmerdeuses, les emmerdantes… et les emmerderesses. » Lors de la rencontre radiophonique célèbre du 6 janvier 1969 sur RTL entre Brel, Ferré et Brassens, celui-ci précisa sa pensée : « Non moi je suis pas du tout misogyne moi je m’en fous une femme me plait elle me plait quoi. Une femme me plait pas elle me plait pas. Ça va pas plus loin. C’est pas un parti pris(…) Misogyne, c’est le type qui se méfie des femmes. » Dans « Les casseuses », le message est autre ; il s’agit ici d’une dénonciation des revendications sociales des femmes et du danger de dévirilisation de la société (image à l’appui des c….qu’elles cassent). Ce message est repris plus crument dans « S’faire enculer » (interprété par Jean Bertola : « Sous les coups de boutoir des ligues féministes / La moitié des messieurs brûle d’être onaniste / L’autre d’aller s’ faire enculer. » Il n’a pas eu le temps d’interpréter cette chanson ; on n’en a pas de regrets… « Si seulement elle était jolie », interprété ici par Maxime Le Forestier, fait aussi partie du dernier album et a le mérite d’être amusante.

L’évocation du corps féminin par morceaux de choix :

Brassens s’intéresse aux seins dans « Brave Margot » et dans « Le sein de chair et le sien de bois (texte seulement). Dans « La fessée« , c’est à une autre partie charnue qu’il rend hommage. Enfin, avec « Le blason« , il en vient enfin, sans le nommer, à la partie la plus délicate à évoquer et s’attriste en s’adressant aux dames que « ce morceau de roi de votre anatomie porte le même nom qu’une foule de gens. » Il parle bien entendu du « con ».

Brassens chante la gaudriole

Il en parle soit avec bonheur soit avec désabusement : Ainsi, selon lui « Quatre vingt quinze pour cent » des femmes s’emmerdent en faisant la chose. L’homme aussi et c’est pour cette raison qu’il cherche des aventures toutes plus étonnantes, versant parfois dans le fétichisme (« Le nombril des agents de police » déjà cité ou « Le pince-fesse » (texte seulement), ou la conquête sans fin (« Don Juan ») mais il nous  présente ici Don Juan sous un jour philanthrope. Voire carrément l’inceste (« Le petit-fils d’Oedipe », par Pierre Perret). Quand l’amour n’est pas là (« Cupidon s’en fout« ), l’effeuillage de « La marguerite » fait un flop. Quant à l’Amour avec un grand « A », Brassens s’en moque : « Sauf le respect que je vous dois ». Pourtant, cet amour transparait dans l’oeuvre mais plutôt comme un trésor précieux et difficilement trouvable qui exige un effort : « La fille à cent sous », « Les sabots d’Hélène ». En tous les cas, une chose est sûre, amour ou pas amour, on se souvient toujours de la première fille qu’on a tenu dans ses bras : « La première fille« .

Les situations propices aux aventures :

Brassens multiplie les histoires dans lesquelles une  situation exceptionnelle ou inattendue sert de prétexte et d’occasion à l’aventure amoureuse. On peut citer à ce titre : L’orage, La chasse aux papillons, Le parapluie, Dans l’eau de la claire fontaine, L’amandier…

La chasteté est égratignée

La chasteté est évoquée avec une certaine férocité dans « La religieuse » et Chansonnette à celle qui reste pucelle« .

La pornographie

Le porno fait son apparition de manière évidente dans « Les radis » et dans « Mélanie« .

En vrac pour conclure :

Comme une soeur Le fantôme Corne d’aurochs Il suffit de passer le pont Comme hier Je  suis un voyou Pénélope Je rejoindrai ma belle Méchante avec de jolis seins C’était un peu leste interprété par Joël Favreau La file indienne Retouche à un roman d’amour de 4 sous La maîtresse d’école Une ombre au tableau (texte seulement)

Bonne écoute !

Oliver N’GOMA alias « Noli », est né le 23 mars 1959 à Mayumba, au sud-est du Gabon. Dès l’âge de 8 ans, son père lui apprend à jouer à l’harmonica dont il est lui-même, réputé être le meilleur joueur de la région. Son père enseignant de son état, obtient une affectation en 1971 pour Libreville.

Une fois dans la capitale, Noli fait des études de comptabilité au lycée technique de Libreville. C’est d’ailleurs au sein de son établissement qu’il développera ses talents de musicien. Il devient alors, le guitariste de l’orchestre du lycée. Avec ses collègues, ils animent les bals de fin d’année, les soirées dansantes en reprenant de tant à autres des tubes aussi bien africains qu’étrangers.

L’orchestre se fait rapidement connaître partout à Libreville et même à l’intérieur du pays, leurs exploits étaient comptés partout. L’artiste se familiarise ainsi avec la scène musicale. C’est ainsi qu’Oliver N’GOMA abandonne ses études de comptabilité pour se consacrer désormais à ses deux passions : la musique et au cinéma.

Au milieu des années 80, il se fait embaucher comme caméraman à la Radiodiffusion et Télévision Gabonaise Chaîne 2. En 1988, il obtient un stage de trois mois à Paris. Dans la capitale française, Oliver N’GOMA va profiter de son séjour pour réaliser ses projets musicaux. C’est ainsi qu’il va rencontrer le célèbre producteur et réalisateur Manu Lima. Celui là même qui propulsa l’ivoirienne Monique SEKA et le congolais Pépé KALLE au devant de la scène.

Manu Lima se chargera par la suite de la direction artistique du tout premier album de « Noli », qui connaîtra d’ailleurs un franc succès avec notamment le morceau fétiche « Bané ». Aussitôt, les chaînes de radio comme la station panafricaine « Africa N°1 » ou encore Radio France Internationale (RFI) vont contribuer à propulser et à faire apprécier les talents de l’artiste partout dans le monde.

L’album sorti en 1991, sera apprécié de tous. « Bané », qui connaît un franc succès planétaire sera même joué dans les discothèques françaises, européennes et antillaises. Ce titre a su allier la rythmique africaine au zouk caribéen. Il fait parti des toutes premières musiques afro zouk du contient. C’est à juste titre qu’il devient l’une de plus grosses ventes de la musique africaine des années 1990. Avec les albums « Adia », sorti en 1995, « Séva », en 2001, et « Saga » en mai 2006, l’artiste confirmera son succès international en prouvant qu’il n’est pas l’homme d’un seul tube.

Décédé à l’age de 51 ans, Oliver N’GOMA dit « Noli » qui fait danser les gabonais et tous ses mélomanes pendant longtemps, laisse derrière lui un héritage pour les jeunes générations. Adieu l’Artiste.

Très vite sa santé se détériorera notamment au niveau respiratoire et il optera pour une vie calme en se ménageant. Jean Ferrat est décédé le 13 mars dernier sans faire de bruit, lui qui fut si souvent boycotté et censuré par les médias qui n’ont pas manqué de jouer contre mauvaise fortune bon cœur en lui rendant un vibrant dernier hommage…

Lorsque Jean Tenenbaum naît à Vaucresson dans les Hauts de Seine, le 26 décembre 1930, rien ne laisse présager un destin unique. Il est le dernier d’une famille de quatre enfants, fils d’un joaillier et d’une fleuriste.

Après des études au lycée Jules Ferry de Versailles où sa famille s’est installée, il commence à se tourner vers la chimie. Mais pendant la guerre, son père est déporté. Tout change pour Jean qui est obligé de travailler pour aider sa famille à survivre. Déjà son goût pour l’art se fait sentir. C’est d’abord vers le théâtre que Jean se tourne en rentrant dans une troupe dans les années 50.

Du théâtre à la chanson

En fréquentant les cabarets avec ses amis, il se lance dans la musique, en écrivant sous le pseudonyme de Jean Laroche et en jouant de la guitare dans un orchestre de jazz.

Même si ses premiers essais ne donnent pas grand chose, il est désormais convaincu qu’il sera chanteur. Nous sommes en 1952.

Aragon

Ses premiers succès, il les doit à Aragon en adaptant « Les yeux d’Elsa », poème de l’écrivain français que Jean Ferrat admire. En 1957, ses débuts sur scène ont lieu à La Colombe, en première partie de Guy Béart.

Puis il chante au Milord l’Arsouille ou à L’Echelle de Jacob. Ce tremplin lui permet d’enregistrer en 1958 son premier 45 tours. Mais surtout, d’autres artistes commencent à interpréter ses titres, comme André Claveau ou Christine Sèvres, une jeune chanteuse qui, en 1961, deviendra son épouse.

Une rencontre riche

En 1959, Jean rencontre Gérard Meys, qui deviendra son meilleur ami, et qui lui permet d’enregistrer en 1960, son premier quatre titres, Ma môme. C’est son premier succès personnel.

Même si l’artiste ne cache jamais ses appartenances politiques et philosophiques (à la gauche de la gauche), ce qui lui vaudra durant sa carrière quelques censures, il n’en reste pas moins un poète de l’amour et de la fraternité.

Son premier album sort en 1961 et ses titres lui valent dès la même année, le Prix de la Sacem. Le voilà parti sur scène, notamment en première partie de Zizi Jeanmaire à l’Alhambra.

De concerts en albums, Ferrat obtient un succès grandissant, jusqu’au troisième album Nuit et brouillard, dont le thème principal est la déportation, qui marque les esprits et fait de Ferrat un artiste à part.

La montagne et Potemkine

Ce sont surtout ces deux titres que sont La montagne (1964) et Potemkine (1965) qui propulse Ferrat au sommet. Mais l’homme sait rester humble et tout en continuant sa carrière, de Bobino à l’Alhambra, il s’installe à Antraigues, au cœur de l’Ardèche, et s’isole pour vivre la vraie vie.

Ses sorties sont lointaines: Mexique ou Cuba, d’où il ramène sa célèbre moustache et de nombreux titres tels que « Les Guérilleros ». Sa gloire est désormais internationale et sa plume vengeresse égratigne le monde fort perturbé de cette époque (mai 1968 et les bouleversements d’Europe de l’Est font rage). Ce n’est pas la censure qui arrête Jean Ferrat.

Aragon (bis)

C’est à nouveau Aragon qui, au début des années 1970, va donner à Ferrat l’occasion de briller: Aimer à perdre la raison et son album Ferrat chante Aragon font un malheur.

Ce disque reste encore aujourd’hui un des plus grands succès populaires français. Mais le chanteur, las de la vie de scène et de la notoriété, s’isole: il fait ses adieux à la scène à la fin de l’année 1972, et malgré la production régulière de nouveaux albums ou de reprises, il se fait plus rare.

Profitant du rachat de la maison Barclay par Polygram, Ferrat réenregistre une grosse centaine de ses chansons et les publie en 1980 dans un coffret de douze disques, énorme travail qui lui vaudra de nombreuses récompenses et une notoriété grandissante.

La mort de son épouse…

… en novembre 1981 le plonge dans un grand désarroi et une solitude volontaire. Il lui faudra des années avant de revenir sur le devant de la scène grâce à un album, Je ne suis qu’un cri en 1985, et la même année, un passage à la télévision dans l’émission de Pivot.

Au fil des années, Ferrat continue d’être un des artistes français les plus appréciés, surtout après les “départs” de Brassens, Brel et Ferré.

Après une intégrale 61-91 sortie en 1991, puis après l’intégrale Ferrat -Aragon sortie peu après, Ferrat nous offre de temps en temps quelques merveilles dont il a le secret.

Chanté par les plus grands (Gréco, Aubret, Jeanmaire, Guichard pour lequel Ferrat écrit Mon vieux…) écouté et aimé par de nombreuses générations de public, de 7 à 77 ans, Jean Ferrat restera un chanteur unique, à l’écriture remarquable, aux idées fidèles et humanistes, discret et humble. Un homme riche d’humanité et de beauté, un vrai poète en somme…

Photo Flick-cc : Jean Ferrat (http://www.flickr.com/photos/44425842@N00/4429377709/)

L’un des effets indésirables de ces campagnes qui montrent trop souvent les visages tuméfiés, est de banaliser la violence, de trop habituer le citoyen à cette vision, en perdant de vue qui est la femme, quelle est sa spécificité, sa valeur profonde, intrinsèque, intime, jusqu’au don de la vie et au don de soi.La campagne de To B Com association cible un objectif spécifique :
restaurer la place de la femme dans son être essentiel, sa dignité, sa beauté, sa tendresse. Lui permettre de se réapproprier un corps, une estime d’elle-même.

“Voilà qui je suis, ce que j’apporte. C’est respectable, digne d’être aimé, protégé”.

Montrer les violences faites aux femmes ne doit pas les enfermer dans un statut de victimes en fermant l’accès à toute autre perception. C’est dangereux, favorise les actes de dénigrement. Au contraire. Il est temps de montrer qui sont ces femmes, et bien souvent, cette vérité rend la violence qu’on leur fait encore plus odieuse et vile.

Pour être efficace, la dénonciation des violences faites aux femmes doit également être complète : l’association To B Com montre ainsi les violences institutionnelles qui bien souvent se surajoutent, au lieu de les aider. Elle montre la destruction de la vie sociale, professionnelle.

Une femme sous l’emprise de violence psychologique est détruite, et, bien souvent, par définition même de la violence psychologique et de la manipulation mentale, n’est pas consciente de ce qu’elle subi. Elle ne peut donc ni le dénoncer, ni le prouver, ni se défendre.

La plupart du temps, la justice, les services sociaux, les psychiatres, sont leurrés eux aussi par les manipulations d’hommes qui se présentent comme étant sympathiques, bien sous tous rapports, honorables, qui utilisent l’altération de l’état psychologique de leur compagne pour dire combien il est difficile de vivre avec une folle, et combien, lui, peut être malheureux…d’ailleurs, enlevons-lui ses enfants… à cette personne perturbée, on ne sait pas ce que cette femme est capable de faire, vous voyez bien qu’elle est perturbée…enfer sans nom.

To B Com association se bat depuis deux ans contre cette situation, pour montrer ce qui n’est pas seulement de la violence, trop souvent confondue avec conflit de couple, mais bien de la Délinquance. Le mot est lâché. Pas d’excuse, pas de faux semblant, ni de langue de bois. L’association montre, au moyen d’exemples, de témoignages authentifiés, qu’il s’agit bien d’une forme de délinquance, particulièrement grave, et souvent d’actes criminels. Elle évoque aussi les décès, par accident sous un coup fatal, par meurtre, mais aussi par incitation au suicide. Le taux de suicide des femmes victimes de violence est 5 fois supérieur à la moyenne nationale, ce qui prote le nombre de décès par ces attitudes criminelles, non pas à 1 tous les 3 jours, mais à 3 par jour.

Isabelle Voidey lance une campagne, cet automne 2009, au moyen d’un clip vidéo novateur, créatif. A la fois très dur et très poétique, elle manie la sensualité, la sensibilité, la réalité de façon osée, mais avec beaucoup de pudeur.

Un clip percutant, sur fond de hip hop.
Idée, texte et réalisation To B Com studios.

Accessible depuis le blog de l’association http://osezdevenir.wordpress.com
ou en lien direct sur Youtube et Dailymotion.
Les paroles de la chanson sont disponibles.

Photo : Flickr Donnie Brasco

Peter Pan, roi de la pop, extraterrestre… Les appellations d’origine incontrôlée auront été nombreuses pour qualifier Michael Jackson. Rarement un artiste aura déchaîné autant les passions et alimenté les manchettes de journaux. Sa mort brutale lui assure une place dans le panthéon des légendes de la musique.

Il a été roué de rumeurs, maculé de scandales. On l’a adulé, photographié sous tous les angles, soumis à des spéculations sentant parfois le caniveau. Michael Jackson, mort à 50 ans, c’était presque la fin programmée d’un artiste insaisissable, fragile, torturé, pétri d’un talent aux contours divins. Elvis Presley n’était pas parfait, Marylin Monroe non plus. Les mythes n’aiment pas la vieillesse.

Je fais partie de cette génération qui a dansé sur ses albums. Jackson en solo, c’était surtout une trilogie façon Guerre des étoiles : Off the wall, Thriller, Bad. Les suites ont été moins bonnes, elles sentaient la fin de règne. Et puis les scandales, les doutes, la chirurgie esthétique puissance Five… La décadence, l’aura déclinante. Pas facile, la vie d’enfant prodige… Quand on aime vraiment un artiste, on lui pardonne – presque – tout. L’exception engendre souvent la clémence. Moi, ma zappeuse est restée bloquée sur ce jeune homme aux cheveux crépus et au nez aplati. Quand le tsunami Thriller a tout emporté sur son passage, la transformation physique était déjà entamée, mais Michael ressemblait encore à Jackson. Une bête de scène, un précurseur, une tessiture de voix reconnaissable entre mille.

Imité, jamais égalé

Quand on est un fan de Michael Jackson, on tente de reproduire son célèbre Moonwalk à l’abri des regards, sur un sol qui ne veut rien savoir. On a beau passer en boucle ce pas de danse enchanteur, rien n’y fait : tu ne seras pas Michael Jackson mon fils. On fredonne aussi dans un anglais approximatif, presque phonétique, les paroles de ses chansons les plus connues, dont Billie Jean. On y voit le phénomène figé sur la pointe des pieds, tournoyant sur lui-même ou encore levant sa jambe droite dans un mouvement éclair qui a fait sa marque de fabrique. On aimerait reproduire ces gestes sur une piste de danse, devant des amis, des petites copines, mais on se ravise pour se prémunir du ridicule et de quelques luxations.

C’est sans doute dans la mort que l’on mesure les grands destins. La disparition du roi de la pop a créé une onde de choc à travers le monde (et enrichi au passage les fabricants de mouchoir), comme on ne l’avait pas vu depuis Elvis Presley. Un autre King. Une autre époque.

Michael Jackson a donc rejoint le clip de Billie Jean. Vous savez, lorsqu’il finit par disparaître et qu’on le suit à la trace grâce à ces carrés au sol qui s’illuminent sous ses pas de fantôme. L’icône est morte, mais sa musique n’est pas prête de s’éteindre. Sa révérence soudaine devrait d’ailleurs doper les ventes de ses albums. Le souvenir par cartes bancaires interposées.

Ce que je retiendrai de Michael Jackson? Une chanson, Rock with you, avec sa chorégraphie et son décor minimalistes. Mais le charme opère, dans un subtil mélange de retenue et de classe. Le rythme, lui, est incrusté sous la peau d’ébène d’un jeune chanteur recouvert d’un habit étincelant et qui décoche son bonheur à pleines dents.

(texte paru dans le journal La Presse le samedi 27 juin).